Nudozurdo @Sala Mercantil, Badajoz (22/02/2013)

Con la plantilla de El Gallo Verde en cuadro, me planté solo  en el concierto de Nudozurdo; como mis neuronas no dan para dos cosas a la vez y ya tengo bastante con echar fotos, cedo la redacción a la siempre afilada pluma de nuestra querida corresponsal en el extranjero.

TEXTO: SHE | FOTOGRAFÍA: EL_TESORERO

No es fácil acercarse a un grupo como Nudozurdo. Rodeados en la escena española de grupos pop con letras y tono amable, colores alegres y temas naïve,  encontrarse con algo tan oscuro y denso es difícil , pero, sobre todo, bienvenido.

Su hábitat natural son las salas pequeñas donde pueden crear esa atmósfera tensa y claustrofóbica que los define. Por eso fueron uno de los elegidos para el proyecto “Girando por Salas” en el que varios organismos oficiales subvencionan conciertos( el precio de anoche, 6 euros la entrada anticipada es directamente de risa) para promocionar, según sus propias palabras, “las músicas actuales”.

El concierto, como tal, fue espectacular. Agobiantes tanto la instrumentación como la difícil voz de Leopoldo Mateos y efectivos en la creación desde la nada de altas dosis de  intensidad( si no se te ponen los pelos de punta con la versión en directo de “Mil Espejos”, es que estás pintado de negro por dentro), los madrileños repasaron sin demasiados artificios tanto los dos largos ( Sintética de 2008 y Tara Motor Hembra de 2011) que los han encumbrado en el panorama musical actual,como alguna canción de discos que han pasado más desapercibidos( su primer disco, autoeditado, fue recuperado no hace mucho y, está rodando aun “Ultrapresión”, su EP de 2012) .

El setlist incluyó temas como la imposible “Hijo de Dios”, “Ha sido divertido” ,“Dentro de él”, “Prometo hacerte daño”, que fue uno de los momentos álgidos de la noche, “Chicopromo”, “Dosis Modernas” …completando algo más de una hora de concierto, con un bis, que, subjetivamente, fue bastante más corto de lo esperado. Si te sustraías de todo lo que tenías alrededor, te temblaban las rodillas con cada nota del trío que parecía multiplicarse encima del escenario del ruido que estaban montando.

Ahora bien, TENÍAS que sustraerte, porque el de anoche fue un concierto en el que se dejó entrever por qué cada día se hace más cuesta arriba acudir a un concierto en la ciudad.

Nunca en una crónica es bueno tener que hablar más del público que del grupo, pero lo que pasó ayer es digno de mención y crítica. Yo misma llegué algo tarde por la desinformación sobre la hora de comienzo de la actuación, pero al cruzar la puerta y ver que allí habría entre 30-50 personas me dividí entre el “bien, un concierto así para poco público” y el “pero ¿¿qué le pasa a la gente en esta ciudad??”. Lamentablemente, la segunda respuesta estropeaba el primer pensamiento.

Como decía al principio, no es fácil acercarse a un grupo como Nudozurdo que, recordemos, sólo ha tocado en otra ocasión en tierras extremeñas (concretamente, en el denostado y añorado Navalpop, hace unos tres años, a las 4 de la mañana, otro conciertazo que se marcaron para los fieles que no llegábamos en número ni a montar un equipo de fútbol), por lo que ha de suponerse que el escaso público presente, al menos,  estará allí entregado. Craso error. La falta de respeto que ya es leyenda en los conciertos en la Sala Mercantil tuvo ayer una de sus noches grandes. Entre las 15-20 personas que estaban realmente metidas en el concierto se colaban las conversaciones a gritos de los demás, comentarios  simplistas sobre el tipo de música y la voz del cantante, paseantes errantes y demás fauna local. Todo esto, repito, con un aforo cercano a 50 personas.

Hace poco se abría en esta página el debate sobre la idoneidad o no de montar una franquicia del Contempopránea en la ciudad. Se hablaba del problema que puede suponer el perfil de público que acudiría al evento teniendo en cuenta la mayoría de la población joven de aquí. Pero no nos engañemos. Aquí nos conocemos (casi) todos. Siempre son las mismas caras las que te cruzas en los conciertos. El problema no son los demás. El problema somos nosotros mismos.

Disco de la semana: «Pequeños Trastornos sin Importancia», Julio De La Rosa

Julio-de-la-Rosa

El caso es que esta escasa repercusión mediática del artista jerezano se traduce en una (injusta) falta de expectación entre el público que sin embargo permite que podamos abordar y juzgar su nuevo trabajo sin que pesen expectativas y prejuicios creados.

También apuntan a este Pequeños Trastornos… como una continuación de La Herida Universal (Ernie Records, 2012); efectivamente ahí continúan las letras afiladas que destilan rencor y mala leche y que van presentando distintas versiones de un Julio de la Rosa a modo de los capullos de Moderna de Pueblo.

Sin embargo, cuando escuchas ya varias veces el álbum, da la sensación de que ha sido trabajado y planteado desde un punto de vista muy distinto. Pequeños Trastornos… es un disco más disco, entendiéndolo desde el concepto más clásico de álbum; por lo pronto es mucho más corto, tan sólo 10 cortes por los 16 de La Herida… que se hacía un poco largo a pesar de ser mucho más variado en estilos y recursos que este trabajo, mucho más homogéneo en su repertorio.

Por seguir marcando las distancias, decir que este nuevo trabajo es también más oscuro que el anterior, donde abundan los coros y los instrumentos que se van superponiendo unos a otros. No encontramos sin embargo las licencias y excentricidades que Julio sí se permitía en el anterior, como si él mismo hubiese querido tomarse más en serio a sí mismo como autor que le canta al desamor.

Mención aparte merecen las colaboraciones con las que el jerezano ha contado para la grabación de este disco; intérpretes de la talla de Bunbury, Xoel López o Miren Iza han respondido a su llamada para ponerse frente al micrófono; otros como Pau Roca, Abraham Boba o los Havalina al completo les han acompañado con sus instrumentos. En conjunto, una auténtica constelación de artistas que supone una delicia identificar en cada tema.

El repertorio empieza con fuerza con la soberbia “Colecciono sabotajes” y la reivindicativa “Gigante” (su riff en bucle se te incrusta en pleno subconsciente), y se ralentiza con “Kiss kiss kiss me” y “Un corazón lleno de escombros”, temas más en la línea marcada en La Herida Universal. El amago constante de “La fiera dentro” da pie sin embargo a la bonita balada dreamBorrón y cuenta nueva”; la costumbrista “Tarde a todas partes” y la despechada “Maldiciones comunes” encarrilan esta segunda parte del tracklist que finaliza con una de cal y otra de arena: la prescindible “Glorieta de trampas” y la memorable “El amor saludable”, de sencilla pero hermosa melodía de ritmo lento y cadencioso que te invita a disfrutar de la letra en la susurrante voz de De La Rosa.

En definitiva, podemos atrevernos a decir que Pequeños Trastornos Sin Importancia es mejor que La Herida Universal; y sin embargo debo reconocer que me gusta menos. Aquel manual sobre el amor estaba repleto de rarezas y pequeñas locuras que suponían un bacheado pero emocionante viaje; este trabajo en cambio carece del factor sorpresa que esas pequeñas joyas le conferían a La Herida… y, como me contaba mi estimada Charlotte Harris (@C_Harris87), es menos conceptual, lo que a la larga le resta personalidad.

Aunque una cosa es innegable: con Pequeños Trastornos Sin Importancia, Julio de la Rosa ha firmado un disco de factura preciosista y elaboración impecable (grabación, colaboraciones, formato físico…), que lo sitúan de una vez por todas en primera fila del panorama independiente español.

Recomendación de fin de semana: Medelia esta noche en Sala Aftasí

Medelia

Medelia (Foto: Olga Arroyo)

Medelia es una de esas bandas que suponen una sorpresa inesperada cuando te topas con ellas. Apoyadas en los juegos vocales de sus protagonistas (Pablo Medel y Elia Maqueda) y en unas preciosas melodías de corte pop – folk, sus canciones constituyen excelentes marcos musicales para contemplar y recrearse en las maravillas que la vida nos ofrece en el día a día. No en vano, algunos de sus temas han sido utilizados para ambientar diversos espacios televisivos, y no precisamente para aparecer en MHYV o Gandía Shore…

Medelia estarán esta noche en la Sala Aftasí de Badajoz, así que si te cae cerca no dudes en pasarte y disfrutar de una intimista y emotiva velada. Si no, siempre puedes entrar en su bandcamp y llevarte esa agradable sorpresa con los temas de su LP de debut, Non – Places, que justo ahora hace un año de su publicación.

Disco de la Semana: XX – The XX

Hoy ve la luz en Japón (en EEUU el próximo 11) Coexist, segundo álbum de los británicos The XX, que lleva sin embargo circulando por la red desde su filtración y posterior publicación en streaming por parte de la banda. A colación de esto (y a falta de darle unas cuantas vueltas al tracklist) nos atrevemos a repasar lo que supuso una de los debuts más frescos y fulgurantes de los últimos años.

XX (Young Turks, 2009) es fruto del trabajo casi amateur de un cuarteto de veinteañeros un tanto rarillos pero educados sin embargo en la prestigiosa Elliott School de Londres («Sí, la misma de Hot Chip y Burial. No, nunca les llegamos a conocer por aquel entonces»). De hecho, el nombre de banda y álbum parecen hacer referencia a la edad de sus miembros en el momento de su constitución oficial, aunque Oliver Sim y Romy Madley – Croft ya hacían a los 16 versiones de bandas tan dispares como Pixies o Wham! («Todo empezó como una broma, y ahora tenemos un disco»).

Poco después se les unirían la guitarrista Baria Qureshi (que sería expulsada de la banda en 2009) y el DJ Jamie Smith, encargado de las programaciones y de la producción del álbum tras rechazar la banda el trabajo de productores ya consagrados («El resultado sonaba más como una colaboración que como nosotros mismos, así que decidimos que me encargase yo mismo de la producción», afirmaba Jamie). La base de operaciones era un pequeño garaje propiedad de los estudios XL Recordings (The Prodigy, Radiohead, MIA o recientemente Adele) donde el disco es compuesto y grabado con nocturnidad y alevosía, «en horario de 9 a 9; la gente de XL nos dieron las llaves e íbamos cada noche, casi podíamos estar en pijama».

Esto explicaría el ritmo pausado y cadencioso, el extremo minimalismo instrumental donde los frecuentes silencios se convierten en un componente más, y las susurrantes voces (a cargo de Oliver y Romy) que se turnan, se superponen o cantan al unísono para crear desconcertantes juegos vocales; las voces del dúo Sim – Madley Croft parecen la misma sólo separadas por unas notas. «Es realmente divertido, es cuestión de una sola octava, creo […] Si subes el tono de Oliver o bajas el de Romy, suenan realmente iguales, por eso creo que funcionan tan bien como dueto».

Todo ello en conjunto ayudan a crear esas atmósferas crepusculares e introspectivas que te envuelven y te aíslan del resto del mundo, llevándote de la mano a lo largo de todo el álbum. Para los amantes de las etiquetas podemos mencionar pinceladas de dubstep, dream pop y R&B, y citar influencias diversas como The Cure, Chris Isaak o Aaliyah. Para el resto, puedo deciros que se trata de un trabajo que se antoja un íntimo y cálido refugio marcadamente instrumental, en el que las voces quedan a menudo solapadas por los abundantes samples, líneas de bajo y reverberantes guitarras.

XX abre con la hermosa y conocidísima “Intro”, pieza instrumental que da inicio a un repertorio que parece dividido en dos actos y en el que la etérea y fantasmagórica “Fantasy” sirve como interludio entre ambos. En el primer acto, los londinenses parecen tantear y experimentar con cada instrumento por separado (el xilófono y los juegos vocales de “VCR”, las guitarras al principio de “Crystalised”, los teclados del final de “Island”…) para tomarse un respiro con la muy emotiva “Heart skipped a beat”; por su parte, en el segundo parecen desatarse y hacer gala de sus conocimientos combinando y conjugando sus recursos instrumentales (los crescendos de la soberbia “Shelter”, los ritmos casi militares de “Basic Space”, el baladón encubierto de “Infinity” o las melodías puramente pop de “Night time”), para terminar con la, en mi opinión, muy floja “Stars”, oda a la primera cita. Existe una edición en vinilo del álbum que incluye una bonus track, una personalísima cover del “Hot like fire” de Aaliyah.

Si melódicamente XX se antoja como un trabajo muy raro o extremadamente cool (dependiendo del nivel de esnobismo de cada uno) las letras, compuestas a caballo entre Oliver y Romy, resultan muy sencillas y adolescentes, casi infantiles; temas como el amor, el sexo, la ilusión y las rupturas son recurrentes en el álbum, cantados frecuentemente en segunda persona, rollo Pimpinela, aunque ambos aseguran que no hay nada entre ellos: «Somos amigos, los mejores, así que no es como cantarnos canciones de amor el uno al otro». Ambos trabajan esta parte por separado, y cada uno interpreta su letra. «Romy hace lo suyo en casa y yo hago lo mío aparte. Ella canta lo que escribe ella, y yo canto lo que escribo yo».

El resultado es un conjunto de canciones muy diferentes entre sí aunque con un estilo propio muy marcado que hace de hilo conductor; además, la posición de cada corte en el repertorio tiene su sentido dentro de un contexto que transmite sensaciones de espacio y movimiento a lo largo del disco, constituyendo una obra sin saltos y completa de principio a fin, como una ópera pero sin valkirias. Como punto negativo, por sacar algo, hay que señalar la total ausencia de algún hit con garra y punch que sirva como indicativo de adonde la banda pueda llegar.

XX fue publicado por el sello independiente Young Turks (el mismo que El Guincho) el 17 de agosto, y el día 18 “Crystalised” ya fue escogido Single de la Semana en iTunes UK; esto sería sólo el preludio de lo que sería un éxito rotundo de crítica y público. Mientras el disco salía a la luz, la banda giraba en un pequeño tour organizado por ellos mismos junto con otras bandas afines, pero en el verano del 2010 (ya sin Baria Qureshi) estarían presentes en los principales festivales de Norteamérica. También fueron habituales en las listas de lo mejor del 2009: noveno puesto para Rolling Stone, segundo para NME y tercero para Pitchfork; aquí en España, la muy ecléctica Rockdelux lo eligió en quinta posición, y MondoSonoro lo situó en la séptima. La cosa se aceleró más aún con la consecución del Mercury Prize como Mejor Banda de las Islas Británicas, que los catapultaron en las listas y les hicieron vender más de 40.000 copias en los días siguientes al premio. «Gracias al Mercury -explicaba el director de XL- las cosas se están acelerando increíblemente, y la banda podrá llegar con su música a una audiencia cada vez mayor». En 2011 fueron nominados a tres premios Brits, pero no obtuvieron ninguno.

La popularidad de la banda no sólo se tradujo en ventas, sino que el álbum ha tenido una constante presencia en cine y sobre todo en televisión desde entonces. Sus canciones han aparecido en numerosísimas series (como Person of Interest ó 90210), programas de televisión (la cobertura de los Juegos Olímpicos de Invierno en la CBN o de las elecciones generales británicas en la BBC) y películas (Soy el Número Cuatro o Project X); también se han podido escuchar en los estadios de Polonia y Ucrania durante la Eurocopa de 2012. En España, las hemos podido escuchar en la promo de la serie Hospital Central, en spots de la aseguradora Asisa o en incontables reportajes de Deportes Cuatro.

En definitiva, un digno especial y singular, lo suficiente para que puedas fardar de gustos exquisitos pero no tanto como para que puedas sentirte avergonzado de escucharlos; y más adecuado de lo que podrías pensar para momentos de estar sólo o bien (muy bien) acompañado. Merece, en cualquier caso, al menos una oportunidad de ser juzgado; pero cuidado: engancha.

Fuentes

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Grupo de la Semana: The Dandy Warhols

La banda americana más británica de las últimas décadas ha regresado este año con un disco maduro y libre de artificios con el que están girando por todo el mundo, y entre otras citas podremos verlos esta misma semana en el escenario del Sonoroma. Con motivo de su presencia en Aranda, hacemos un repaso a su trayectoria.

Los Dandy Warhols es una de esas muchas bandas con las que dices “Ah, ¿esa canción es de ellos?”, una formación de innegable talento que sin embargo no consiguió responder del todo a las expectativas que se crearon a su alrededor y no consiguieron explotar cuando tuvieron su oportunidad, como sí hicieron otras bandas como The Strokes o The Killers, debido a una irregular trayectoria musical en la que han ido haciendo eses de un estilo a otro y nunca parecen encontrar su sonido. En cualquier caso, estamos a una banda con una carrera consolidada, millones de copias de copias vendidas de nada menos que ocho álbumes de estudio y un nombre muy respetado por crítica, público y colegas de profesión.

La banda

La historia de The Dandy Warhols es una historia de gente rebotada, de una lavandería de Portland y de amigos y familiares que entran y salen de la formación; cualquier éxito cosechado podría haber sido por pura casualidad. El protagonista es Courtney Taylor – Taylor, que a pesar de su poco masculino nombre se trata de un tío con buena planta que da bastante el pego como estrella del rock en carteles promocionales y pósteres centrales de revistas como la Superpop. Courtney venía de tocar la batería en algunas bandas de Portland, hasta que en 1994 decide que lo suyo es la guitarra eléctrica y le pide que le enseñe al guitarrista PeterHolmstrom, que a su vez venía rebotado de sus clases de arte en la Universidad de Nueva York.

 Por otro lado, tras un intento fallido de colocar a su propia novia como bajista, Courtney descubre en una cafetería a la bajista y teclista Zia McCabe (según cuentan en su Facebook), que venía de huir de una suerte de cabaña – comuna construída por su padre. Por último vendría el batería Eric Hedford, que por una disputa por los royalties abandonaría los Dandys cuatro años más tarde, justo antes del gran pelotazo de la banda. Estúpido…

 Courtney haría de nuevo de electricista y enchufaría a su primo Brent DeBoer, es un gesto más que demostraba que la formación era ante todo un grupo de amigos que, en palabras del cantante, «necesitaban la música para beber». Todos juntos comenzaron sus planes sentados en el suelo del cuarto de lavado de su edificio; el propio Courtney bromearía años más tardeasegurando que tuvo que aprender de nuevo a tocar la guitarra de pie.

 Discografía

 Si hay algo que se le achaca a Dandy Warhols son sus constantes cambios de estilo, dando bandazos sin rumbo fijo del shoegaze más ruidoso al pop más comercial. Aunque su debut lo hicieron con el muy garagero Dandys Rule OK(Tim/Kerr Records, 1995), su verdadera prueba de fuego la vivieron con …The Dandy Warhols Come Down(Capitol Records, 1997), con el que adoptaron sonidos de pop psicodélico mucho más comerciales y asequibles, ya que suponía su estreno con un gran sello.

 Pero el pelotazo gordo lo pegaron con Thirteen tales from Urban Bohemian(Capitol Records, 2000), de un estilo menos sobrecargado y más power pop con el que cosecharon un gran éxito de crítica y público, en parte por la utilización de su conocido single “Bohemian like you” para un spot de Vodafone; y también con Welcome to the Monkey House(Capitol Records, 2003), con el que viraron nuevamente de estilo hacia un uso masivo de sintetizadores puramente ochenteros.

 Tras la publicación del doble álbum The Black Album / Come on feel the Dandy Warhols (Beat the World Records, 2004), compuesto básicamente de descartes y caras B y ya publicado con su sello propio, llegaría un importante punto de inflexión en la carrera de los de Portland con Odditorium or Warlords of Mars(Capitol Records, 2005); grabado en su propiorefugioestudiodegrabación (el Odditorium del título), este trabajo supuso un abandono de los sintetizadores y un retorno a la psicodelia del ...The Dandy Warhols Come Down, lo que provocó opiniones divididas, unas ventas más discretas de lo normal y una ruptura con su sello Capitol Records que se materializaría en 2007.

 Los años más oscuros de los Dandys se abrieron con el muy electrónico Earth to the Dandy Warhols(Beat the Earth Records, 2008), que a pesar de contar con importantes colaboraciones no cosechó las grandes cifras de antaño; y continuaron con The Dandy Warhols are Sound (Beat the World Records, 2009), que no era más que una remezcla alternativa del Welcome to the Monkey House, realizada por el productor Russell Elevado y descartada en su momento por Capitol.

 Actualmente se encuentran de gira de promoción de su octavo álbum de estudio, This Machine(Beat the World, 2012), un trabajo más sosegado y limpio que ha recibido sin embargo opiniones encontradas; mientras que PopMatters afirma que «eran más divertidos cuando bebían» y AV Club lo califica tajantemente como «mediocre», Pitchfork cuenta que Courtney «suena aburrido» pero que con este disco «acaba con las muecas y los malos juegos de palabras en los que había caído en los últimos discos», mientras que AllMusic asegura que es «un trabajo estimulante y libre de ironía» y que «realmente los Dandys están mejorando con la edad».

 En cualquier caso, Courtney se lo ha pasado bomba con la promoción de este trabajo, primero bromeando con su nombre (en su blog barajó los nombres de The pastor of Muppets o Shitty Shitty Band Band) y presentando en directo sus primeros temas (sobre todo “Seti vs. the Wow Signal”, “Rest your Head” y “Well they’re gone”, ésta última primer single que colgó en internet para su descarga gratuita).

 Respetados y queridos

 Ya hemos comentado que los Dandy Warhols es una banda muy respetada dentro del mundillo; y es que ciertamente han sabido moverse y relacionarse entre las bambalinas del negocio.

 Aparte de su ya conocido pelotazo “Bohemian like you” utilizado para un spot de Vodafone, han conseguido colarse en televisión en los opening de la serie VeronicaMarsy del reality australiano MyRestaurantRulescon “We used to be friends”, y reinterpretaron el tema del famoso programa Cazadores de Mitos. Por su parte, en cine se han colado en películas como la controvertida 9 Songs (en la que aparecen tocando en directo “You were the last high”) o la más sosita Goodluck, Chuck (con la canción del mismo nombre). Incluso algunos de sus temas han sido utilizados para videojuegos como Stubbs the Zombie o Dance Dance Revolution 4.

 Pero lejos de venderse por el vil metal, los Dandys han sido una banda muy presente en multitud de homenajes y actos, participando en tributos a bandas como The Cure, Love and Rockets o Michael Jackson (con una versión del “Blackbird” de los Beatles), y encabezando un proyecto benéfico junto con The Bravery, The Kooks y Dinosaur Jr, entre otros.

 Otros gestos que en su momento sorprendieron fueron la publicación de su alegato antidroga “Not if you were the last junkie on the Earth” perteneciente al Come Down (Courtney afirmó en varias entrevistas que «nadie debería ser adicto a nada excepto al sexo» y que le gustan «los placeres sensoriales como el vino o el chocolate»), o la defensa pública que hicieron de sus ancestrales archienemigos de The Brian Jonestown Massacre tras la emisión del multipremiado documental Dig!, que capturaba la supuesta mala relación entre Courtney y el líder de BJM Antón Newcombe (miembros de una y otra banda mostraron su disgusto por la imagen exagerada e irreal que se mostraba de Newcombe).

Todo esto les ha servido para grangearse multitud de importantes amistades; David Bowie ha contado con ellos para acompañarle en numerosas ocasiones, productores de la talla de Nick Rodhes (Duran Duran) y Russell Elevado han querido trabajar con ellos, y artistas Mark Campbell (Hearthbreakers), David J (Bauhaus) o Mark Knopfler han colaborado en muchas de sus canciones.

 En definitiva, The Dandy Warhols es una banda que merece un repaso en profundidad por las muchas joyas que atesora su discografía, aunque es cierto que muchos de sus incondicionales se han podido sentir mareados o defraudados por los múltiples cambios de rumbo en su trayectoria. En cualquier caso, es justo tomarse esto como fruto de la experimentación musical de su inquieto y prolífico líder.

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Disco de la semana: “Sí a todo” – Rusos Blancos

Acertado debut de la banda madrileña, que con un acabado técnico sorprendente presenta una buena colección de joyitas de irónicas y mordaces letras.

A finales del año pasado, Ernie Records tuvo el acierto de publicar Sí a todo (Ernie Records, 2011), el álbum de debut de una de las bandas más prometedoras de panorama maquetero nacional, abanderados de la nueva oleada de nombres que nos llegaban de la escena madrileña, y uno de los siempre favoritos en los certámenes de nuevos talentos de festivales y publicaciones del país. Y sí, reconocemos que en esta redacción tenemos debilidad por ellos.

Rusos Blancos, que tras varias entradas y salidas está compuesto actualmente por miembros de bandas como Templeton, Cosmen Adelaida o La Costa Brava, firmaron así uno de los discos más sorprendentes y refrescantes del año, con un tracklist de 13 canciones con alma de single que nos presentan, a menudo con fina ironía y siempre con una excelente capacidad de descripción, una serie de personajes extraordinarios (el superhéroe de “Si quieres me quedo” o la emo/gótica/loquesea de “Novia depresiva”) en situaciones completamente cotidianas; todo ello con el amor como tema central: el amor que no conviene, el amor no correspondido, el amor que llega tarde…

Técnicamente el álbum raya a una buena altura; la voz de Manu Rodríguez se ajusta como un guante a las melodías a pesar de la variedad de estilos y de la gran cantidad de instrumentos utilizados. Por otro lado, la mano de Paco Loco a la producción y la de Joaquín Pascual a la masterización se dejan notar en este trabajo de buenos arreglos instrumentales y una más que correcta factura técnica que consiguen el objetivo buscado desde un principio: un trabajo sin estridencias ni alardes sin caer en los aspavientos amateur y analógicos tan de moda últimamente en el circuito independiente. De hecho el álbum suena trabajado y madurado, con un sonido de una profesionalidad poco habitual en los álbumes de debut de este tipo de bandas.

Del repertorio, aparte de las ya mencionadas, podemos destacar temas como “Supermodelo”, poderoso himno que se hiciera famoso por su aparición en Física o Química (Julio de la Rosa mediante), o la también televisiva “Gorka o Cabano”, con la que la banda reconoce sin pudor algunas de sus influencias. Predilección especial tengo por “Tus padres, tu novio, tú y yo”, en donde la magistral letra queda enmarcada por unos excelentes arreglos de cuerda; o el medio tiempo adolescente “Primera vez”, donde los acordes del ukelele van recorriendo toda la canción de manera deliciosa hasta los viento-metales del final.

En definitiva, un acertadísimo álbum de debut que se hace casi imprescindible en tu cedeteca por la gran cantidad de joyitas que atesora; y ante todo, un buen comienzo para la prometedora carrera que se les parece adivinar a Rusos Blancos.

El DCode 2012 confirma sus primeros nombres

El festival madrileño, que se celebrará los días 14 y 15 de septiembre, ha anunciado en rueda de prensa los primeros nombres para su segunda edición, en la que destaca la actuación en exclusiva de los norteamericanos The Killers.

El año pasado ya dábamos buena cuenta del acierto de la organización del DCode Fest a la hora configurar un cartel con grandes nombres y sin masificar. Ante el éxito de su primera edición, han querido continuar con la fórmula y apostar por nombres consagrados de la escena internacional junto con otros tantos talentos del panorama nacional.

En el primer grupo destaca la presencia de los norteamericanos The Killers; el DCode Fest será la única oportunidad que tendremos de ver en España a la banda del polifacético Brandon Flowers, que con su estilo entre el indie y el mainstream han conseguido seducir a todo tipo de público y vender más de 15 millones de copias de sus tres álbumes de estudio.

Además de los de Las Vegas, los que allí estaremos también podremos disfrutar de los islandeses Sigur Rós, que vuelven tras más de dos años de descanso; el dúo francés Justice, que llegarán a Madrid después de acaparar con su segundo álbum las pistas de baile de medio mundo; y los británicos The Kooks, que con su tercer trabajo han mostrado su faceta más pop.

En el apartado nacional, destacan las confirmaciones de los baezanos Supersubmarina, cada vez más asentados en el panorama indie patrio; los coruñeses Triángulo de Amor Bizarro, omnipresentes en el circuito festivalero; sus paisanos The Right Ons, ya consagrados en el mercado nacional con la publicación de su tercer trabajo; o la también gallega EME DJ, que se ha hecho imprescindible para las mejores citas del país. El resto de los confirmados son: dEUS, The Shoes, Lüger, Napoléon Solo, Le Traste y Syberia.

El DCode Fest conserva para su segunda edición la ubicación del año pasado, el Complejo Deportivo de Cantarranas ubicado en la Ciudad Universitaria en pleno centro de Madrid, y con capacidad para 25.000 personas. Esto y su traslado a mediados del mes de septiembre (días 14 y 15) lo convierten en un excelente broche final para la temporada festivalera del 2012. Estad pendientes de próxima confirmaciones porque pueden dar mucho que hablar.

Marina Gallardo en Badajoz

La cantautora del Puerto de Santa María repasará mañana viernes en la Sala Mercantil de Badajoz los mejores temas de su breve pero intensa discografía.

Es complicado hablar de Marina Gallardo sin citar otros nombres, pero nosotros lo intentaremos. Jovencísima cantautora del Puerto de Santa María (Cádiz), ha sabido ganarse un hueco en la constelación de nombres femeninos de nuestro país sin levantar envidias y generando respeto y admiración.

Con dos discos de estudio bajo el brazo, en el que se hace patente la producción del gran Paco Loco, ha ido moviéndose entre el rock y el folk de tintes americanos, y ha ido evolucionando su siempre personalísimo sonido desde la calidez y desnudez de Working to Speak (Foehn Records, 2008) hasta el cinismo y el desencanto de Some Monsters Die And Others Return (Foehn Records, 2010).

Marina Gallardo repasará su breve pero intensa discografía mañana viernes 30, en la Sala Mercantil de Badajoz. Una oportunidad como pocas de disfrutar de una las voces más personales e injustamente desconocidas del panorama nacional, en un concierto de los que prometen grabarse a fuego en tu subconsciente.

The Wish @Sala Doré (28/01/12)

Casi casi se colgó el cartel de sold out en la Sala Doré de Badajoz (la Aftasí de toda la vida) para una de las citas más esperadas por la muchachada indie de la región: la presentación en vivo, en directo y en caliente del LP de los pacenses The Wish, un trabajo que parecía eternizarse como el Escorial (o el AVE extremeño), pero como rezaba aquel spot de Guinnes, “good things come to those who wait…”.

 

Sin embargo, sólo un poquito se hizo esperar el inicio del concierto, y a las 23:05 de la noche la banda ya estaban sobre el coqueto escenario de la Doré. Una primera parte del concierto se centró exclusivamente en presentar los temas del citado álbum de debut, un tracklist que en directo cobra una enorme presencia que abarca toda la sala y con el que el quinteto hizo gala de su enorme madurez interpretativa frente al público. Destacaron las muy coreadas “Empty” y “The New Hope”, que ya se pudieron escuchar con anterioridad en el bandcamp, y la muy sentida “Contradictions”, con la que Eu se lució al piano y  con la que seguro a más de una se le cayeron las bragas.

Tras pasar con nota la interpretación de los nuevos temas, los Wish pudieron desmelenarse definitivamente en la segunda parte de su show, en la que tocaron otros tantos temazos de sus anteriores demos acompañados de algunos buenos amigos de la farándula extremeña. Alfonso Burdalo, cantante de Burgim, compartió papel vocalista con Curro en “Think about you”, mientras que Carol y Miguel Ángel de Cajón de Sastre le dieron su toque refinado a “Spiral”; también Luis Gragera a la guitarra y Jesús García frente al micro (de Lúa Gramer y New Solaris respectivamente) tuvieron el gustazo de interpretar en su caso “Love is wrong”, el hitazo a través del cual muchos de nosotros nos enamoramos de The Wish.

Todas estas canciones de sobra conocidas por sus fans son las que sirven para dar fe de la enorme evolución de la banda, para cuyo sonido tan lleno de luz y energía se han quedado pequeñas las salas extremeñas y parece más apropiado de exhibirse sobre las amplias tablas de un festival y frente a miles de espectadores. No en vano, Curro nos dio la alegría de la noche al confirmarnos que estarán presente en el próximo Contempopránea Cruzcampo, esperemos que en un horario más acorde a su potente puesta en escena que en su última visita a Alburquerque.

 

La cita resultaría en definitiva una auténtica exaltación de la escena extremeña que ríete tú del día de Guadalupe: público venido desde todos los puntos de la región, colaboraciones con otras bandas amigas, la presencia del staff en pleno del Contempopránea, y cierta satisfacción compartida por los incondicionales de la banda ante el alumbramiento, por fin, de un LP de soberbia factura que hace justicia al talento y al trabajo de este quinteto de esforzados músicos. Esperemos que éste sea el punto de partida de su merecido asalto al siempre ingrato mercado nacional.

El Espacio Libre Habana cierra sus puertas

La sala se despide del público cacereño con la exposición de dieciséis artistas y varias actuaciones musicales.

El Espacio Libre Habana nació en diciembre del 2009 en la calle Pizarro de Cáceres, de la mano de su presidenta Sara Polo, quien de manera desinteresada comenzó a programar exposiciones de todo tipo de corrientes y movimientos. Hoy, tras exponer las obras de más de 160 artistas, inaugura la que será su exposición de despedida. El motivo, problemas de compatibilidad de Sara con su vida laboral y el escaso apoyo institucional que este espacio ha recibido.

Quizás la fuente de todos sus problemas procedan de la obra “Zorba” de Ismael Alabado en septiembre de 2010, en la que se mostraban los restos de cientos de grillos pinchados sobre una superficie. La obra, que causó una tremenda polémica, fue duramente criticada por el entonces presidente regional Guillermo Fernández Vara, quien presionó para que la muestra fuera censurada y finalmente cerrada. Este incidente, sumado quizás al fin del programa de iniciativa cultural de Cáceres 2016, podría haber supuesto el principio del fin de Habana.

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Sara Polo |Foto: Jorge Rey

De entre las obras mostradas en esta exposición de despedida, destacan las piezas fotográficas de la oficina de management La Guadaña Cósmica; sus fotógrafos Alejandro del Estal, César Moreno y Toni Delong recorren durante todo el año salas y festivales de toda España retratando sobre el escenario a bandas como Arctic Monkeys, Editors, Arizona Baby, Iván Ferreiro y muchos más.

El acto, que dará comienzo a las 20:30 de hoy, estará amenizado con las actuaciones musicales de artistas como Joaquín de la Montaña, Álex Janben o Elena Destroyer, entre otros muchos. Por su parte la exposición, y la propia sala, estará abierta hasta el próximo 3 de febrero.