Disco de la Semana: ” La Deriva” – Vetusta Morla

En una época donde todo parece estar patas arriba y nada encaja, donde parece que cada vez va a  ser peor y no hay manera de escapar, donde navegamos sin rumbo concreto… una época idónea para titular tu disco que La Deriva.

       La Deriva es el tercer álbum de la banda “capitaneada” por Pucho. Sigue la estela de los discos anteriores donde apreciamos las señas de identidad de los de Tres Cantos: potencia instrumental, letras cargadas de dobles sentidos y pureza en la voz. Pero también se perciben pequeños cambios de rumbo o novedades como las connotaciones sociales en sus letras de manera más clara, guiños a otros ritmos e incluso menos contundencia en algunos temas. Es un disco (desde mi punto de vista) más sereno y maduro pero brillante (como los anteriores).

            La deriva se compone de 12 temas que ganan más matices con cada nueva escucha, canciones con ritmos pegadizos y letras llenas de mensajes. La deriva, canción que da nombre al disco, es la primera que escuchamos. Con una letra que hace una clara referencia a la situación social y política del momento, donde parece que no tenemos rumbo y vagamos por inercia ,  y una melodía que la dota de más énfasis y rabia contenida. Golpe Maestro fue elegida como primer single del disco. Es un tema donde vemos a Vetusta Morla en estado puro. Su estribillo pegadizo se te mete en la cabeza y no puedes dejar de tararearlo. Su letra refleja el estado de apatía, engaño y resignación en el que vivimos, que parece que todo nos da igual porque dejamos que nos engañen y pisen – “ dejarnos sin ganas de vencer”- pero nos invitan a salir del letargo y luchar, reaccionar – “ nos queda garganta,puño y pies”.

            La mosca en tu pared es una canción con un ritmo más lento donde podemos disfrutar más de la voz de Pucho, sobre todo en la estrofa final. Su letra reflexiva nos propone un interrogante, ¿te gustaría ser una mosca para verlo todo sin ser visto?. Fuego es uno de mis temas favoritos de este disco. Según cuenta la propia banda está basada en la historia de un pueblo indígena y las consecuencias de la llegada del progreso o civilización, como la ropa. Su letra nos invita a reflexionar sobre las consecuencias de imponer las mismas normas o cánones a todo el mundo. Fiesta Mayor es una de las canciones más rítmicas del disco. Tiene una melodía pegadiza y un estribillo potente y una letra que pone de manifiesto el caos social. Nada de lo que debería ser está como debe ser, volvemos al concepto de Golpe Maestro donde lo que nos “vendieron” no existe.

            ¡Alto! Es un tema que puede resultar extraño a la primera escucha con ese compás rítmico tan complejo. Evoca al folclore tradicional incluso en su letra que habla de la decadencia del mundo en que vivimos y la añoranza de los buenos tiempos. La grieta es un tema que puede tener diferentes lecturas. Para algunos es una llamada  a salir de la rutina, del día a día donde todo lo que nos rodea nos asfixia. Pero para otros, en cambio, es una visión catastrofista de lo que está pasando y una llamada  hacia un cambio urgente. Pirómanos es otra de mis canciones favoritas. Pirómanos habla del impulso de destrucción que en ocasiones todos tenemos, esas ganas de mandarlo todo a la mierda (quemarlo todo) pero sin remordimientos ya que parece que no somos culpables “ No era yo… No eras tú..”.

           

            Las salas de espera es un tema diferente, distinto, extraño. Habla precisamente de eso, de esperar, de desear que todo se solucione. Pero también nos invita a reflexionar cuando dice “ Pasan por aquí, quieren recordar cómo y por qué se vieron en ésta ”. Cuarteles de invierno es la canción que más sigue la estela de las de los discos anteriores con esas subidas y bajadas de intensidad tan propias de la banda. Su letra refleja ese principio universal de “renovarse o morir”, nos invita a dejarlo todo atrás y a empezar de nuevo sin “la mochila” que todos llevamos a cuestas: ” Cayeron los bordes y el vaso ya está lleno. Y ahora sólo intento vaciar. Sólo necesito despegar.”

            Tour de Francia es una canción llena de metáforas de ciclismo que, según Juanma (componente de Vetusta Morla) habla de los veranos interminables donde no sabes como matar el tiempo y el aburrimiento y una de las maneras clásicas era ver el Tour. Una sonata fantasma cierra el disco. Es una canción lenta, pausada, íntima. Habla del alzheimer, del sentimiento de ir a la deriva cuando perdemos nuestros recuerdos, nuestra identidad.

            La deriva es un disco con gran carga social en tono reflexivo y reivindicativo que se aleja un poco de los Vetusta Morla a los que estamos acostumbrados pero que nos muestra una nueva cara bastante interesante. Un disco cargado de simbolismo con letras muy cuidadas y melodías pegadizas que hacen que merezca la pena su escucha.

Disco de la Semana: La moneda en el aire – La Habitación Roja

Estamos ya deseando que llegue el fin de semana del 25 al 27 de Julio para acudir otro año más a las laderas del Castillo de Luna a disfrutar de los conciertos del Contempopránea. Estando ya casi en la recta final, tenemos que “estudiar” o “repasar” los grupos que asistirán.

 

            Uno de los grupos que estoy deseando ver es La Habitación Roja. Nunca me cansaré de ver a estos veteranos del indie patrio que además, en esta ocasión, presentarán su último trabajo La moneda en el aire que sigue fielmente la estela de sus anteriores trabajos y que refleja a la perfección la esencia de la banda: melodías pegadizas y cuidadas y letras cargadas de sentimiento y sencillez a la hora de expresarlos.

             La moneda en el aire es su noveno disco. Consta de 11 temas. La moneda en el aire, tema que da nombre al disco, es el primero que podemos escuchar. Su letra reflexiona sobre el paso del tiempo y las consecuencias de los actos de cometemos o no cometemos. Y es que la vida está llena de Y si hubiera… Esta canción nos insta a llevar a cabo la filosofía de Carpe Diem, y es que tenemos que valorar cada momento y aprovecharlo.

            De cine, es el tema favorito de uno de mis compañeros de blog. Es una canción super pegadiza con un estribillo que se introduce en tu cabeza y ya no lo puedes olvidar. Su letra, desde mi punto de vista, evoca a las relaciones efímeras, a esos amores de verano que todos hemos tenido en alguna ocasión. Eso que piensas que se acaba el mundo cuando acaban pero que se convierten en un recuerdo. Tanto por hacer es un tema que habla de la lucha diaria a la que nos enfrentamos todos y de sacar fuerzas de donde sea para continuar. Su moraleja “lo obligatorio es descender y aprender”  es una máxima, de todo se aprende y sobre todo de los errores. Si tú te vas es una de las “clásicas baladas” de LHR. Es un tema precioso cargado de sentimiento con una letra desgarradora que particularmente me encanta especialmente la parte:

“Si tú te vas,
Se quedara el vacío y la inmensidad
De todo el universo.
Me superaran.
Las noches serán muy largas, una eternidad”

            No quiero ser como tú es una clara declaración de intenciones. Es una canción reivindicativa y crítica, otra seña de identidad del grupo, que bien podría ir dirigida a toda la clase política en general. Es una de mis canciones favoritas, tiene un estribillo arrollador ideal para cantarlo a voz en grito y fomenta la filosofía de valorar las cosas sencillas de la vida .  La casa en silencio es otro tema “protesta” que pone de manifiesto la pasividad y el pasotismo general del ser humano. Su letra nos anima a seguir adelante y luchar y a no ser conformistas. Además refleja una gran verdad que es que el miedo nos hace vulnerables y la conciencia, en ocasiones, nos destruye aunque es necesaria.

             Donde no exista el miedo es una canción más cañera que recuerda a temas anteriores. Su energía es latente ya que te hace vibrar desde el primer acorde. Quedas tú es un tema lento y delicado que habla del amor incondicional. Y es que es muy cierto que cuando todo sale mal (el mundo se pone en tu contra) a tu lado sólo permanecen las personas que importan o que deberían importarte por ser incondicionales . Carlos y Esther refleja la situación de muchas personas en estos tiempos que se ven privadas de su trabajo. Al componerla se inspiró en su hermano y su cuñada. Expresa sin tapujos el sentir general, la desesperación por ver que todo va de mal en peor y nadie se preocupa por arreglarlo.

             En busca del tiempo perdido  podría enfocarse como otra canción  de corte social reivindicativo ya que, en ciertos aspectos, estamos perdiendo el tiempo y no solucionamos nada pero también se puede enfocar desde un punto de vista más personal. Es decir, muchas personas se ven obligadas a llevar una vida que no les gusta (trabajo principalmente) y eso es frustrante . El broche final es A dos metros bajo tierra una balada que habla de la muerte abiertamente y del legado que dejamos detrás. He de reconocer que tiene un punto macabro pero también es loable la valentía de Jorge para enfocar una canción sobre este tema que sigue siendo un poco tabú en nuestra sociedad.

             La moneda en el aire es un disco al más puro estilo La Habitación Roja que consigue el equilibrio entre temas reivindicativos y sociales y las baladas románticas y sensibles a las que nos tienen acostumbrados. Es un disco que gana con cada escucha y que promete un directo potente y animado. Particularmente me encantan los coros y dobles voces de Jordi Sapena.

El Disco de la Semana: “Juventud Infinita”, Novedades Carminha

Debo reconocer que la primera vez que escuché a Novedades Carminha no me terminaron de convencer; me acerqué a Jódete y Baila (2011) como previo a un concierto al que fui invitado por su sello discográfico, pero en aquella ocasión decidí no publicar la review no porque fuese demasiado dura (de hecho creo que a la banda le importaría un pimiento lo que yo pudiese decir de ellos), sino porque pensé que no aportaba nada al objetivo último de este blog, que es compartir la música que nos gusta y tratar de acercarla a nuestros lectores.

En esta ocasión sí que me veo en la imperiosa necesidad de compartir y recomendar Juventud Infinita (Ernie Records, 2014), un trabajo que me ha resultado sorprendente y refrescante, quizás porque mis expectativas eran más bajas cuando abrí la caja de este tercer LP de los gallegos. Los más entendidos (o ellos mismos) podrán corregirme si me equivoco cuando digo que éste es el mejor trabajo de Novedades Carminha, en el que han encontrado su lugar en el mundo y su razón de ser.

Sin abandonar el sonido lo-fi y los cánones del punk que ya seguían en sus anteriores trabajos (canciones que no pasan de los 3 minutos, estribillos machacantes y pegadizos) y abordando otros sonidos más clásicos (el pop sesentero, las baladas de los 50), muestran el equilibrio perfecto entre el costumbrismo de sus compañeros de sello Rusos Blancos y el canallismo de sus paisanos Triángulo de Amor Bizarro, sin resultar una mezcla de ellos sino un producto muy característico y singular.

Ni tan blancos como los primeros ni tan bizarros como los segundos, sus letras siguen sonando alocadas y algo desfasadas como antaño (con multitud de referencias localistas y no localistas). No hay que confundir actitud con pose, tampoco hay que echar de menos la irreverencia gratuita; en la media está la virtud, por eso no hay que achacarle a Novedades Carminha que hayan bajado el número (que no el nivel) de palabrotas e insultos. Todo está en su justa medida y parecen muy muy sinceros. Ahora suenan a ellos mismos y no a otros.

En cuanto al repertorio, han sido listos y han colocado como primer y último corte las –a mi entender– mejores canciones del álbum, “Juventud Infinita” y “Fiesta Tropical”, con lo que se entra con fuerza desde la primera escucha y se termina con un muy buen sabor de boca. Todo ello sin desmerecer a otros buenos temas como “Antigua pero moderna” o “Capricho de Santiago” que no permiten bajar el ritmo en toda la escucha. Incluyen también temas cantados en francés (un muy steteototal “Et moi, et moi, et moi”) y gallego (un “Non quito o chándal” bastante siniestrototal). Mención aparte la versión castellanizada y latinizada del “Pushin’ too hard” de The Seeds, escondida tras tres minutos de silencio en el último corte.

En definitiva, un trabajo que, aunque algunos quieran tachar de falto de frescura y actitud, a mí se me ha antojado más completo y redondo, y en absoluto poco gamberro e irreverente. Porque tomarse en serio a uno mismo no es volverse más serio y políticamente correcto, sino confiar en el talento de uno mismo sin recurrir a poses y recursos artificiales.

Disco de la semana: La orfebrería según los místicos – Maronda

A estas alturas de año lo normal hubiera sido escribir sobre  una de las muchas novedades aparecidas en 2014, o sobre uno de los muchos grupos que asistirán a esta edición tan especial de Contempopránea, pero Maronda llevan dentro de mi mp3 desde el año pasado y no podían salir de él sin pasar por este blog.

Así Maronda es el proyecto con el que Pablo Maronda y Marc Greenwood, bajista en La Habitación Roja, debutaron en 2011 con el álbum “El fin del mundo en mapas“, editado en el sello Absolute Beginners. El dúo reivindica la tradición pop española más brillante (desde Juan y Junior a La Buena Vida) sin renegar de las habituales influencias externas (The Byrds, The Cure…).

Pues, aparte de colaborar con Antonio Luque en la grabación de “¡Menos Samba!“, Maronda se descolgaron en 2013 con su segundo disco, aún más costumbrista que el primero si cabe, de título “La orfebrería según los místicos” y 12 canciones llenas de una honestidad casi perdida que el grupo resume en esta declaración de intenciones:

1.- El disco estará en todas las plataformas digitales de uso habitual.

2.- No habrá CD. Es obsoleto y nadie los compra. No tenemos dinero para fabricarlo y mucho menos para distribuirlo. Quien quiera hacerse un CD para el coche, que consulte el punto 3.

3.- Permitiremos el acceso a la descarga libre, pero sólo desde nuestra web. Todo el que quiera el disco que lo baje haciendo un click, pero en la página oficial. No queremos descargas piratas de otros sitios que se lucran con publicidad por nuestro trabajo.

4.- Habrá vinilo. Todo el que quiera contribuir a la causa podrá comprarlo en una edición limitada de 300 copias en vinilo de color, numerada, grande, bonita y con un sonido espectacular, a 10€. Lo venderemos en los conciertos, contra reembolso y en algunas ciudades.

5.- Intentaremos tocar en tu ciudad en formato de dúo que somos en realidad. Lo sentimos, pero una batería, amplificadores grandes, alquilar una furgo, 4 personas, 4 dietas, 4 camas… ¡sería demasiada pasta!

Según el mismo Pablo Maronda “La orfebrería según los místicos” hace referencia al oficio de hacer canciones: un trabajo manual, detallista y artesano que, a diferencia de la ebanistería o la platería, se circunscribe al ámbito de lo puramente intangible. La música flota en el aire, son vibraciones de sonido que no pueden tocarse, y por tanto son el resultado de la artesanía espiritual, de los místicos: la abstracción más pura en el campo de la creación artística.

El dúo, ya fuera de Absolut Beginners y reforzado por Alfonso Luna (Tachenko) a la batería y Jordi Montero tras los arreglos de cuerda, vuelve a adentrarse en los dramas de las relaciones de pareja, en los recovecos de la nostalgia y la esperanza mediante bonitas melodías y letras cantables y contagiosas. Las referencias a lo largo de todas sus canciones son gafapastas a más no poder como podréis comprobar a continuación, pero el resultado final es bastante asimilable e incluso reconfortante.

El disco da comienzo con Volverás, relejo de Cambiada, canción que abría su primer disco, y que recuerda profundamente a Los Mitos y a aquel hit titulado Cuando vuelvas. Originariamente Volverás, en una primerísima versión poco trabajada, hablaba de dos hermanos que hacen las paces después de mucho tiempo sin hablarse. Uno de los versos iniciales decía “Nuestros padres vendrán/Tú y yo a solas en el bar/Lo sabrán interpretar como un gesto de amistad”. Sonaba demasiado cursi y desapareció en el segundo borrador, con el cambio de enfoque hacia un amor perdido y resignado. Fue el primer single del disco y para la realización de su vídeo Maronda se inspiró en iconos pop como la portada del “Da Capo” de Love y las imágenes para “See Emily Play” de Pink Floyd y “Rain” de The Beatles.

El ruído eterno es mi canción favorita del disco y, a mi entender,  una de las mejores canciones de 2013. Esta letra sobre el despecho y el rechazo, basada en  el relato del mismo nombre de Alex Ross, es uno de esos temas efectivos y directos, con la frescura de los primeros Tachenko, las melodías de La Costa Brava y la cadencia de Los Brincos en Rápidamente (Contrabando, 1968).

Me fui antes de verte llegar cierra este  gran trío iniciático en la misma línea vocal y melódica que sus antecesoras, obras en las que se repite con maestría la acertada estructura de verso-puente-estribillo.

En Las luces resplandecen cuentan con la colaboración de Jorge Pérez (Tortel), quien grabó el estribillo de esta oda bucólica y deliciosa a la felicidad. Para componer el bajo de esta canción Marc se inspiró en Massachusetts, de los primeros Bee Gees.

He hablado con ella cambia el rumbo del disco hacia un pop más ruidoso con una base más guitarrera.  Como segundo single también tiene clip, el cualfue grabado en Estambul, los Alpes Suizos e Italia presentando escenas llenas de cotidianidad con las que muchas personas que no hayan estado en estos lugares también podrían empatizar.

La recriminación supone un delicioso dúo con Sandra Belda (California Snow Story) sobre las distintas versiones de una ruptura sentimental, bajo la atenta mirada de Gainsbourg y su Je suis venu te dire. (Tributo constatado).

El pájaro cuco y la muerte da comienzo a lo que podría denominarse la cara B del disco con una explosión sonora llena de dramatismo y guitarras destempladas.

La letra de La piedra negra es prácticamente una transcripción del relato del mismo nombre de Robert E. Howard, autor de Conan y miembro destacado del círculo del horror cósmico de Lovecraft.

La cristiandad se sostiene sobre bonitos arreglos y versos arrebatadores como: “no puedo recordar querer a nadie igual, más puro que el cristal, más que una cristiandad, sin mártires, sin más, me importas de verdad”. Y otra píldora cultural en la mención más o menos inadvertida a Nabokov en “oigo tu risa en la oscuridad”.

EnVivimos en democracia se apuntan con solvencia al juego de combinar con gran maestría la actual situación económica y social con, otra vez, una relación rota.

Viaje al final de la noche nos prepara para el final volviendo a retomar un relato, esta vez de Louis Ferdinand Celine, como eje central de la composición.

Los últimos días de Arcadia se encarga de cerrar el disco con un recuerdo agridulce a la juventud pasada a través de más de 7 minutos de canción en el que también, cómo no,  puede rastrearse la huella de Evelyn Waugh, cuyo “Retorno A Brideshead” comienza con la expresión latina: Et In Arcadia Ego. La duración, 7:14, es un guiño a Hergé y su “Vuelo 714 Para Sidney”. De adolescente Pablo Maronda era muy fan de Tintin, y éste tomo en concreto sigue siendo uno de sus favoritos. Marc  dijo algo así como “Oye, la canción se termina en 7 y algo. ¿Hay algún número que empiece por 7 y signifique algo para ti?”

Si la primavera tuviera una banda sonora sin lugar a duda que sería “La orfebrería según los místicos.”

Descubriendo grupos…. Tilde

Esta vez es el sello Siete Señoritas Gritando, que se presentan a ellos mismos como un sello que “defiende la visión de la música como expresión creativa, artística y estética”   los encargados de “conducir” al éxito a esta banda catalana formada en 2009.

Mati, Mario, Mikel y Joan tienen ya un pequeño recorrido a sus espaldas. Comenzaron su andadura allá por 2009  grabando  su primer Ep Poleas, en el estudio de Jaume 113  en Girona. Con esta carta de presentación recorrieron las salas más importantes de Cataluña lo que les animó a continuar con su trabajo.

A finales del 2011 editan bajo el sello Siete Señoritas Gritando, su primer LP titulado La compra del mes, grabado por Marco Morgione en Micromaltese Studios. Actualmente, están presentando su tercer trabajo, Padre, un Ep de 5 canciones, nuevamente grabado en Can Morgione y editado bajo el sello Siete Señoritas Gritando.

Su sonido pop-rock con toques psicodélicos crea canciones en perfecta armonía que  entrarán en tu cabeza desde la primera escucha haciéndote tararear sus melodías cuando menos te lo esperes.

Padre comienza con Acuerdo un tema con un ritmo muy pegadizo donde apreciamos la delicada voz de Mati que brilla con luz propia sobre una base instrumental potente cargada de energía y fuerza. Padre, casa inhóspita es una canción más profunda con unos arreglos vocales cuidados y una melodía más oscura y psicodélica. Muestra una faceta distinta de la banda acercándonos más a descubrir su esencia.

Click en la imagen para escuchar el bandcamp

Moscas es un tema con una letra que te invita a reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos y las cosas que debemos cambiar. Destacaría el juego de voces entre Mati y los coros de Mikel y  Joan que crean una atmósfera aún más turbadora. Semana Santa y otros entierros tiene un comienzo enérgico que contrasta con unas estrofas de melodías más lentas y letras oscuras. Juez cierra el ep. Es un tema peculiar, desde mi punto de vista es una crítica muy original al sistema judicial de este país en ciertos litigios. Particularmente , me parece bastante acertada y satírica.

En pocas palabras, Tilde es una banda con un sonido propio y característico que debe crecerse en directo creando una atmosfera profunda y oscura (incluso algo lúgubre) que combinaría a la perfección con unos temas que rompen con lo que estamos acostumbrados a escuchar. Espero tener la oportunidad de verlos en directo por mi misma.

Los Discos del año -2013-

Los Discos del Año  hablan de la situación sociopolítica actual, de viajes vitales y, claro, del amor en diferentes formatos. Son discos arriesgados, valientes, generosos, llenos de luz, con un toque salvaje y optimistas. Son nuestros imprescindibles de 2013.

10.- “De palmas y cacería” – Pony Bravo

Pony Bravo vuelven a firmar un disco loco, pero loco de genial, estudiado y arriesgado a partes iguales, y repleto de grandes canciones. Un acto de humor y de valentía muy acertado para los rigores sociales de este 2013 que ya acaba y que con “De palmas y cacería” ha pasado un poco mejor.

9.- “Val Miñor – Madrid, historia y cronología del mundo” – Iván Ferreiro

Un disco de melodías amables, arreglos generosos y letras más luminosas de lo habitual. Catorce canciones bien resueltas, tal vez las mejores catorce seguidas en su discografía. Y es que no se pueden poner pegas a un trabajo cuando es el artista el que se desnuda ante su público.

8.- “Days are gone” – Haim

Nuestro debut internacional del año era un álbum llamado a triunfar desde el principio. La frescura de los 90 combinada con la eficacia del pop más ochentero, canciones de amor teenager armadas sobre estribillos mágicos. Mejor que la suma de sus partes: una maravilla.

7.- “El valle invisible” – Bravo Fisher!

En El valle invisible, Bravo Fisher!, el anti-héroe definitivo,  se luce articulando una historia compuesta de bailables canciones que atrapan de primeras por su enérgica concepción, pero también por la mezcla de ingenuidad y desgarro con que las interpreta. La BSO de una versión revisitada de El Mago de Oz.

6.- “Modern vampires of the city” – Vampire Weekend

Otro de esos discos que corre el riesgo de engañarte a la primera escucha. Una docena de canciones que demuestran la madurez del grupo. Un disco donde siguen patentes los temas directos y  estribillos pegadizos, y donde ahora suman maestría en música y letras. Una sabia evolución natural sin dejar de lado las trazas de africanismo marca de la casa.

5.- “El amor y las mayorías” – Tachenko

Siendo una de las bandas más respetadas por público y crítica, el quinto disco de Tachenko es muy explícito en su posicionamiento político y también muy crítico con la escena indie nacional. Un disco que sigue poniendo el énfasis en las letras pero que ahora se interna en ocasiones en la pista de baile. Un disco total.

4.- “Montaña rusa” – Second

Con este trabajo, los murcianos han abandonado su “zona de confort” de baladas y canciones intimistas y se han lanzado a una nueva dimensión más bailable y enérgica. Montaña Rusa es un disco más visceral y vivo  que se caracteriza por su espontaneidad y en el que querían reflejar el lado “salvaje” que muestran en los directos. No cabe duda que lo han conseguido.

3.- “Victoria mística” – triángulo de amor bizarro

Otra explosión musical pero esta vez controlada y rodada a cámara lenta con unas melodías menos contundentes, algo más cercanas al pop, para que podamos recrearnos en ella las veces que queramos. De nuevo firman otro trabajo imprescindible. Visceral, exigente y honesto.

2.- “Impronta” – Lori Meyers

Es un disco que gana con las escuchas, que tiene mucho potencial en los directos y que en sus letras es fácil identificarse, tengas la edad que tengas. A todos aquellos que en la primera escucha le habéis puesto la cruz, os recomiendo que le deis otra oportunidad porque merece la pena. Con Impronta, Lori Meyers vuelven a mostrar su facilidad para las melodías optimistas y pegadizas.

1.- “León Benavente” – León Benavente

No hace falta ser un entendido para disfrutar de este disco de principio a fin ya que es uno de esos discos que te enganchan y que escuchas en bucle una y otra vez, hasta que todo cobra sentido, porque conecta con la realidad de hoy y te sientes identificado con cada letra, con cada canción. Y no solo eso, es que además es un disco bien hecho musicalmente hablando, porque cada buena letra se acompaña de una gran melodía, haciéndolas pequeñas historias, conectadas unas con otras, que son pequeñas obras maestras.

Los Dicos del año en Spotify

Disco de la Semana:” De polvo y Flores” de Miss Caffeina

Con este segundo trabajo Miss Caffeina no sólo  ha dado el salto a las multinacionales (Warner) sino que también ha sufrido “un cambio de imagen”. Y es que con un disco más cañero que el anterior, abandonan su imagen de “niños buenos” y románticos para mostrarnos su lado más “canalla”.

De polvo y flores tiene una fuerte presencia de elementos electrónicos y sintetizadores que hacen los temas mucho más bailables y pegadizos alejándose un poco de las baladas tiernas de los discos anteriores.  Su letras siguen hablando del amor y el desamor, un tema universal en la música. Se compone de 12 temas nuevos. Tormento es el encargado de presentar esta nueva versión de Miss Caffeina. Es una canción que muestra el lado más oscuro de la banda en esta “copla” tan peculiar.

Disfraces es uno de los temas que más me gustan de este disco. Su ritmo te invita a bailar y a corear su pegadizo estribillo. Su letra habla de lo dolorosa que es a veces la realidad y la verdad y que en ocasiones nos gustaría tener un disfraz o máscara para ocultar nuestros verdaderos sentimientos.  Gigantes es mi canción favorita de este álbum. Comienza de manera arrasadora pero en cambio su letra es desgarradora. Refleja sentimientos de soledad, de desasosiego y resignación. Me quedo sobre todo con esta frase: ”Tu ausencia se nota de lejos y duele aún más a dos metros”. Hielo T es el primer single del disco.  Su letra está llena de contrastes, de reproches, es un tira y afloja constante de una pareja. Ya se sabe que el amor y el odio se separan por solo paso. Su estribillo se introduce en tu cabeza y no puedes sacártelo.

Luciérnaga tiene una melodía “más suave” y delicada que los temas anteriores. Su letra expresa dolor ante el amor perdido y esa pregunta constante de ¿habré hecho lo correcto? Destacaría sobre todo los coros que compactan a la perfección con la voz de Alberto. MM es otra canción llena de energía y fuerza que promete un directo potente.  Su letra te invita a reflexionar sobre el paso del tiempo y si lo aprovechamos, sobre la naturaleza efímera de las cosas. Particularmente, me encanta la subida de tonalidad en los últimos estribillos por parte de Alberto. Venimos tiene un ritmo casi hipnótico y su letra habla del miedo al compromiso, de las relaciones fáciles donde huyes de “las preguntas incómodas” hasta que conoces a esa persona que “viene del mismo lugar que tú”. En mi opinión, es quizás el tema donde mejor se luce vocalmente  Alberto.

Superheróe  es un tema más lento cargado de ironía y grandes reflexiones como “quien quiso ver la perfección, sufrió” o “quien quiso ser el ganador, murió”. No mienten pone de manifiesto las malas pasadas que en ocasiones nos hace pasar nuestro subconsciente. Cuando intentas olvidar a alguien, te repites mil veces que ya no sientes nada pero la “herida” aún está abierta y a veces los sueños nos muestran la realidad. San Francisco habla de triángulos amorosos, de querer a la persona equivocada y el sufrimiento que eso genera. Su estribillo es muy pegadizo y cuando menos te los esperas, te sorprendes a ti mismo tarareándolo.

Modo avión es una canción que refleja la esencia de la banda desde sus inicios. Su letra habla del duro momento en que decides decir “hasta aquí hemos llegado, esto se acabo” y es que en ocasiones, es necesario cortar por lo sano por mucho que duela.  19 es el broche final.  Es una canción melancólica con una melodía preciosa que va in crescendo y que crea una atmósfera íntima. Cada vez que la escucho, millones de recuerdos vienen a mi cabeza, momentos buenos y no tan buenos.

Con este giro musical, la banda ha reforzado su posición en el panorama musical aunque a muchos no les haya gustado que abandonen la autoproducción. Con esta cara más canalla quizás hayan perdido parte de la inocencia que reflejaban en temas como Mi rutina preferida o Todos temblando pero también han adquirido más madurez.

Pero, a grandes rasgos, mantienen la esencia de Miss Caffeina, melodías pegadizas y baladas preciosas con letras llenas de sentimientos en los que cualquiera podría sentirse identificado. De polvo y flores vaticina un directo potente y cañero como el que esperamos disfrutar el día 14 en la Sala Aftasí.

Disco (grupo) de la Semana: León Benavente

Hablar de León Benavente (el grupo) sin hablar de León Benavente (el disco) o hablar de León Benavente (el disco) sin hablar de León Benavente (el grupo) es una tarea prácticamente imposible, porque ambos van unidos y hacen un todo, por ahora, porque vista la acogida de ambos por parte del público y la crítica, que está siendo tan buena, no parece que vaya a ser un fenómeno pasajero y que habrá más discos.

Y es que, León Benavente es un grupo que se ha forjado de forma natural, a fuerza de amistad y de intereses comunes, lo cual se nota en León Benavente (Marxophone, 2013), un disco donde la experiencia y el saber hacer se notan desde el principio, desde la primera canción.

Pero intentemos  profundizar primero en León Benavente, el grupo…

No es este uno de esos grupos que “salen de la nada” de gente desconocida que lleva años intentando labrarse un camino en esto del mundo de la música y de pronto saltan a la palestra, no, porque sus integrantes son gente que ya tienen las suelas de los zapatos desgastadas de pisar escenarios… Más que conocidos son todos, Abraham Boba y Luis Rodríguez,  que llevan años trabajando con Nacho Vegas, Eduardo Baos de Tachenko y Cesar Verdú, de Schwarz. Cuatro personas que, después de un largo camino por separado, deciden embarcarse en uno nuevo, pero juntos, un comienzo que describe de manera curiosa y casi poética Nacho Vegas. Poco más se puede decir de León Banavente, es mejor leer lo que dice alguien que los conoce.

Y ese nuevo camino es el que describe León Benavente (publicado en Julio de este año), porque, como bien dicen los entendidos, este disco cuenta una trayectoria, pasando por muchos lugares, una trayectoria que no solo cuenta el camino físico, también un camino emocional.

Pero eso no es lo que yo digo, lo dice la gente que sabe. Lo único que yo sé seguro es que no hace falta ser un entendido para disfrutar de este disco de principio a fin y que es uno de esos discos que te enganchan y que escuchas en bucle una y otra vez, hasta que todo cobra sentido (como dice el propio Nacho Vengas, no es un disco que se pueda escuchar de modo aleatorio), porque conecta con la realidad de hoy y te sientes identificado con cada letra, con cada canción. Y no solo eso, es que es un disco bien hecho musicalmente hablando, porque a cada buena letra va acompaña de una gran melodía, haciéndolas pequeñas historias, conectadas unas con otras, que son pequeñas obras maestras.

Y así comenzamos a intentar profundizar en León Benavente, el disco…

“Animo, Valiente” abre el disco y lo que más llama la atención de esta canción no es esa letra cargada de ironía (una palmadita en la espalda mientras se pone cara de condescendencia), si no la voz de Abraham Boba y ese ritmo que ya nos hace ver que este no va a ser un disco de ese pop fácil al que se puede estar más acostumbrado, que es algo elaborado, que tiene fuerza y que se va a mantener en cada canción, como en “Las Hienas” con esas guitarras y la batería se te clavan, por lo potentes que son, con un ritmo marcado que enmarca una letra dura, que representa bien la situación que vivimos, temática que se puede extrapolar al resto de canciones, porque todas parecen hablar de una realidad jodida, esta realidad que nos ha tocado. Aunque se pueden interpretar también como un estado de desasosiego causado no solo por la situación socioeconómica, sino también causado por motivos más sentimentales. Esto pasa, por ejemplo, en “Estado provisional”, quién no se ha sentido hundido, sin encontrarle sentido a nada cuando algo ha salido mal (un proyecto o una relación…). Pero no acaba ahí la decadencia, porque ese estado de desasosiego producido por la situación continúa en “Las Ruinas”, “solo queda el desencanto y la ciudad es un verdadero espanto”.

“La Palabra” te saca un poco de ese bucle musical del inicio del disco, aunque sí que continúa con esos estados de ánimo que nos atormentan. Son todo frases hechas que se usan cuando acaba algo, desprovistas de todo significado en realidad, ¿qué significa todo eso?. “déjate de historias de una nueva etapa y si me quieres tanto dime la verdad, o calla”, duro y directo, como la vida misma, enmarcado en un ritmo frenético y potente, que lo hace todo aun más duro y oscuro.

Regresamos a la calma musical con “Década”, pero continuamos con ese sentimiento que nos es tan conocido, el de no saber que va a ser de nosotros porque ya da igual todo, da igual donde estés, todo lo que te hayas preparado. Y ese estado de confusión que tan bien se nos transmite con la voz de Boba termina con una frase también mil veces repetida, “lo que está claro es que algo tiene que cambiar”, aunque sepamos que, por ahora, no puede pasar porque estamos inmersos y nos ha alcanzado “La gran desilusión”. Qué mejor voz para transmitir esa desilusión que la preciosa y melancólica voz de Irantzu Valencia de La Buena Vida, una preciosidad de canción precisamente por esa melancolía que transmite esa perfecta combinación de voces.

De “El Rey Ricardo” poco hay que decir, porque habla por sí misma, está claro que estamos permitiendo que se aprovechen de nosotros, el sistema está fallando y poco parece que podamos hacer “Soy el rey Ricardo y de aquí no me muevo”, y por eso necesitamos una “Revolución”, un cambio de una vez por todas, adaptado a los nuevos tiempos que vivimos.

El punto final, de la primera de muchas escuchas, la pone “Ser Brigada”, una canción de esas que te enganchan por su ritmo frenético y por su letra. Es quizás la única canción que habla directamente de una relación de pareja, aunque un tanto especial (porque más que pareja son brigada) y porque la historia es diferente a las convencionales. El punto femenino lo pone Cristina de El Columpio Asesino, parece estar hecha para que ella le ponga voz.

Y con esto acabamos un viaje que ha pasado por distintos estados de ánimo y por distintos puntos geográficos, haciendo de este disco un trabajo completo, honesto, redondo, bien elaborado y bien llevado al directo, porque así lo han demostrado desde que empezaron la gira y, ahora, por fin, los podremos ver en casa este próximo viernes 8 en la sala Aftasí.

Disco de la Semana: “Montaña Rusa” de Second

Estamos en Septiembre y eso implica que se acabó el verano y las vacaciones. Muchos en estos días han vuelto al trabajo, a los estudios, los niños vuelven al cole… en fin, todos volvemos a nuestra rutina.

Este verano no ha sido de los más moviditos, no he  tenido muchas vacaciones ni he viajado mucho. Por lo tanto, la época estival se me ha hecho un poco larga. En cambio el mes de septiembre, entre reencuentros con los amigos tras las vacaciones, cumpleaños  y el bullicio normal de la ciudad se me está pasando volando.

Los grupos indies tras la época de festivales (aunque alguno queda por ahí como el Europa sur, el granadapop o el intro music festival) se toman también un pequeño descanso antes de empezar con la gira pos salas. Pero Second no descansa. El pasado 3 de septiembre vio la luz su último álbum, Montaña Rusa. A lo largo del año, hemos podido escuchar algunas canciones para ir abriendo boca. Y el día 2 de septiembre (un día antes de su lanzamiento) lo pudimos escuchar íntegramente en 180 grados.

Montaña rusa se compone de 11 temas nuevos en los que toda la banda ha participado en su composición. Con este trabajo han subido otro peldaño más en su trayectoria, han arriesgado y el resultado ha sido más que satisfactorio.

2502 es la primera canción que escuchamos. Con ella ya podemos apreciar el giro de la banda hacia temas más bailables y enérgicos. Su estribillo pegadizo se te mete en la cabeza y no puedes quitártelo. Su letra habla de la opción de teletransportarnos al futuro y convertirnos en seres fríos, en máquinas. La idea es no tener sentimientos a ver si así se alcanza la perfección.  Su video  dirigido por Daniel Etura, se basa en la peli “La fuga de Logan” de 1976 ambientada en 2274 donde la tierra ha sido diezmada y los supervivientes viven en una cúpula controlados por computadoras.

Las serpientes han sido tradicionalmente símbolo de engaño y mentira aunque según Sean y los suyos “las serpiente ya no mienten, solo endulzan a la gente”. Su ritmo va in crescendo a medida que avanza la canción entrando en una espiral de baile. Extenuación tiene una melodía más oscura, más profunda.  Su letra refleja una visión crítica de lo que ocurre a nuestro alrededor y del conformismo.  Caramelos envenenados es quizás el tema que mejor refleja la esencia de la banda. Melodía cuidada que va adquiriendo fuerza a lo largo de la canción; y una letra desgarrada que habla de desamor que combina a la perfección con los giros vocales de Sean Frutos. Es sin duda mi canción favorita del disco.

Lobotomizados fue la primera canción que escuchamos del disco. Es una canción dinámica con ritmos muy marcados que se introduce en tu cerebro y no puedes dejar de tararearla. Su letra expresa la sensación que tienes al escuchar esta canción, te lobotomiza y comienzas a bailar una danza extraña que no puedes parar. Antiyo es un tema cañero que promete un directo impresionante. Su letra habla del antiyo que todos tenemos dentro, que a veces es mejor que la versión normal y otras veces no. Para mí es una de las mejores canciones del disco. La barrera sensorial te contagia su buen rollo, su ritmo y su estribillo pegadizo. Habla de traspasar barreras, de viajes…referencias a mundos futuristas de ciencia ficción. Destaca la participación del banyo por parte de Javi.

La distancia no es velocidad por tiempo, a pesar de su título tan científico, refleja sentimientos. Destacaría particularmente los arreglos vocales de Sean y las guitarras que marcan el ritmo en todo momento. Este tema es un medio tiempo que sigue la estela de los temas anteriores de la banda pero que a la vez muestra la evolución de la banda vocalmente y en la manera de componer. Espectador comienza con fuerza. Su letra habla de la sensación de ser espectador de tu propia vida, de sentir que no formas parte de ella. Sus coros llaman bastante la atención y los juegos de voces se compactan a la perfección.

Si todo se oxida con su ritmo psicodélico te invita a reflexionar sobre el desgaste de las relaciones personales, cuando todo se oxida. Sus ritmos potentes y llenos de fuerza harán enloquecer a los fans en los conciertos..  Destacan sus coros contundentes y cuidados. Estamos de ocasión es una canción que habla de amor y desamor. Sus ritmos psicodelicos te invitan a bailar y a disfrutar.

Con este trabajo, los murcianos han abandonado su “zona de confort” de baladas y canciones intimistas como sus hits Rincón exquisito o N.A.D.A y se han lanzado a una nueva dimensión más bailable y enérgica. He de reconocer que el cambio ha sido considerable pero sin duda lo han logrado satisfactoriamente.

Montaña Rusa es un disco más visceral y vivo  que se caracteriza por su espontaneidad y en el que querían reflejar el lado “salvaje” que muestran en los directos. No cabe duda que lo han conseguido. Este disco promete un directo animado y potente que estoy deseando poder comprobar en octubre en la Sala Aftasí.

Disco de la Semana: “Impronta” de Lori Meyers

Antes de escuchar este disco por primera vez, escuché y leí muchísimas opiniones al respecto sin yo proponérmelo. Es decir, la gente opinaba a mi alrededor y por redes sociales. He leído y escuchado de todo, desde que es un disco para adolescentes, que el tema de las canciones es muy recurrente, que si no fuera de Lori Meyers no merecería la pena…

A pesar de todo esto yo escuché el disco con ilusión ya que tenía ganas de oír lo nuevo de Lori. Para mi sorpresa (o no) el disco me encantó desde la primera escucha y cuanto más lo escuchaba, más me gustaba. Ha sido la banda sonora de mis paseos hacia la EOI durante bastante tiempo.  He de decir que no estoy de acuerdo con las críticas que he leído/escuchado pero para gustos los colores. Como ya se sabe, nunca llueve a gusto de todos.

Creo que las canciones del disco reflejan cada una de las fases por las que atraviesa toda persona tras una ruptura sentimental (de ahí que no entienda que sea un disco solo para adolescentes). Cierto es que cada persona las afronta de un modo distinto, pero los sentimientos son los mismo. Dicho esto, voy a hacer mi particular división de las canciones.

Fase 1- Impacto inicial: esta fase según los psicólogos se caracteriza por la incredulidad ante lo que está ocurriendo, es decir, la ruptura. En esta fase yo encuadraría la siguiente canción:

  • Impronta: es la canción que da título al disco. Su ritmo es  suave y delicado y su letra refleja claramente el shock ante la ruptura, la incomprensión ante lo que está pasando y el deseo de que todo sea un error. Me quedo sobre todo con la siguiente frase “dame un segundo para decidir y para comprender, lo que está pasando es un engaño”.

Fase 2- Negación: en esta fase nos empeñamos en repetirnos una y otra vez que eso no esta pasando. Repesamos una y otra vez los “errores” que hemos cometido y tratamos de solucionarlo, nos creamos a nosotros mismo falsas esperanzas. En esta fase incluyo las siguientes canciones:

  •  Una señal: es una canción aparentemente alegre, llena de fuerza y energía. Su letra habla de una “negociación”, es decir, olvidemos los errores mutuos e intentémoslo de nuevo. Para algunos esta canción tiene un doble mensaje, piensan que es una forma de reconocer el error cometido con el anterior trabajo “Cuando el destino nos alcance”.
  •   A-sinte-odio: es un tema en el que destacaría los arreglos vocales y sus cambios rítmicos.  De su letra destaco las metáforas que emplea y una frase que refleja a la perfección los sentimientos en esta fase: “que tengo que hacer más al fin por demostrarte, sabes  que no soy tan así, tan despreciable”.
  •   El tiempo pasará: es una de mis canciones favoritas del disco. Su melodía me traslada a décadas pasadas y me invita  a bailar. Su letra habla de falsas esperanzas sobre lo que echamos de menos y su estribillo tan pegadizo es una prueba de ello.

Fase 3- Tristeza/dolor/culpa: esta, dicen los expertos, es la fase más duradera. En ella estamos de capa caída, deprimidos, inmersos en los recuerdos y echándonos la culpa de todo lo que ha pasado. Las canciones que reflejan mejor esta fase son:

  •  Emborracharme: es una canción  con un ritmo marcado y fuerte. Su letra habla de la culpa por la ruptura, del ofrecimiento de cambiar todo a gusto de la otra persona para que la relación funcione. Destacaría sobre todo su estribillo pegadizo y bailable y los coros de Alex.
  •   Zen: es un tema que recuerda  a los Lori de los inicios, con una melodía basada en los años dorados del pop que va in crescendo a medida que avanza. Vocalmente es una canción distinta, contiene muchos arreglos vocales (falsetes)  y cambios rítmicos. Este es sin duda mi canción favorita de Impronta.
  •   De los nervios: transmite fuerza  y energía con sus guitarras y consiguen un tema muy bailable y animado. Esta vez es Alex quien nos hace llegar la letra con su peculiar voz. Su letra refleja los sentimientos contradictorios ante una misma persona que despierta en nosotros amor y odio a la vez.

Fase 4- Ira/Rabia: esta fase se caracteriza por el rencor que sentimos hacia la otra persona, le culpamos de todo lo ocurrido. Es un sentimiento opuesto al de la fase anterior donde pensábamos que era culpa nuestra. En esta fase está encuadrada la siguiente canción:

  • Deshielo: es una balada preciosa con una melodía suave que acompaña a la voz a la perfección que se ve complementada con una letra desgarradora. Este tema es uno de los mejores, a mi gusto, del disco.  Su letra transmite a la perfección el dolor y la rabia  con unas metáforas muy acertadas. Me encanta esta frase “no habrá nada que conservar, no habrá olvidos y recuerdos”.

Fase 5Aceptación: en esta fase ya hemos aceptado la situación, empezamos a ver las cosas con una perspectiva distinta

  •    Tengo un plan: es otro de esos temas que evoca  a los primeros discos de la banda. Sus teclados destacan durante toda la canción y compacta a la perfección con el resto de instrumentos. En cuanto a la letra, destacaría  las frases “me acompañará esta soledad” y “ya me acostumbré a verlo normal” que reflejan claramente la aceptación de la ruptura.
  •    Planilandia: es la carta de presentación perfecta para comenzar el disco. Nos va mostrando la línea en la que está basada este trabajo, los ritmos enérgicos mezclados con partes más contenidas y letras sencillas que muestran los más profundos pensamientos. Este en particular creo que es uno de los temas que más va a ganara en directo. Su letra habla de la reflexión acerca de lo que hemos hecho, que cambiaríamos y que no y la aceptación de que necesitamos tiempo para superarlo.
  •   Despedirse: pone la guinda al pastel (disco). Es una canción intima cantada solo acompañado por una guitarra. Su letra ya refleja tranquilidad y serenidad, ya empieza a vislumbrarse la idea de empezar de nuevo, de “resetearse sin dolor” y afrontar las cosas.

Fase 6- Reorganización: es la etapa final del proceso. Una vez asumida y aceptada la situación trazamos un plan para empezar de nuevo y hacer borrón y cuenta nueva en nuestra vida. En esta fase he incluido esta canción:

  •  Huracán: es una canción cargada de simbolismo que transmite optimismo y buen rollo. Su mensaje nos transmite que es posible superarlo sin desfallecer y llegar a un mundo mejor, al anticiclón. La clave está en encontrar ese lugar donde estés mejor.

Como dije al principio creo que es un disco que gana con las escuchas, que va a tener mucho potencial en los directos (estoy deseando verlos en conciertos para comprobarlo) y que en sus letras es fácil identificarse tengas la edad que tengas. A todos aquellos que aún no lo habéis escuchado o que en la primera escucha le habéis puesto la cruz, os recomiendo que le deis otra oportunidad porque merece la pena.