Disco de la Semana: There’s a man with a gun over there – Niño y Pistola

Cuando te enfrentas a la reseña de un disco como There’s a Man With a Gun Over There (Ernie Records, 2013), es inevitable poner gesto adusto y hacer una pausa reflexiva ante la intención de escribir cada palabra de manera honesta y sincera; y es que el cuarto disco de los gallegos Niño y Pistola merece ser abordado con cuidado y respeto y con todas tus capacidades mentales en música, letra, voces, background, significado…

Y es que estamos ante un disco conceptual de influencias muy marcadas (y que ellos mismos reconocen en los créditos: Neil Young, George Harrison, Bob Dylan…) y con un trasfondo muy profundo que a muchos (si no a todos) nos resultará muy familiar hasta el punto de sentirnos identificados, a pesar de narrar la historia de un hombre que vivió hace más de 60 años en la América profunda; dicho hombre (llamado Tom) vive explotado por su jefe hasta que un buen día decide comprar un arma y acabar con él de una vez por todas. ¿A que ahora sí os sentís identificados?

Así pues, There’s a Man With a Gun Over There debe ser escuchado como una única pieza de puro rock clásico, con ramalazos de country, folk, americana… y en el que los distintos temas se van desarrollando sin interrupciones entre ellos. Niño y Pistola sólo conceden dos momentos de respiro en el disco: uno que separa la historia de Tom en dos actos bien diferenciados (el que describe el crimen y el que narra su regreso a casa); y otro que da por concluido el relato e introduce el tema final a modo de moraleja. Para ello, recomiendo escuchar el disco con unos buenos cascos, a ser posible desde el mismo cedé de audio para que no se produzcan saltos en los cambios de tema, y si se tiene un reading mínimamente fluido, con el libreto delante para ir leyendo a la par la deliciosa narración de Tom.

¿Mis momentos favoritos del disco? El primero, a caballo entre la potente “Fifty dollars in my hand” y la frenética “By the grace of god”, el que narra cómo el bueno de Tom decide comprar el arma y acude a casa de su jefe para ejecutarlo.

El segundo, cuando la country – folk (banjo incluido) “Indian song” cuenta cómo Tom regresa a casa y se da cuenta de que ya no queda nada de su pasado, instante en el cual la canción estalla en una explosión de guitarras afiladas y mordientes que representan a la perfección el desengaño y la desesperación de nuestro protagonista.

Mención aparte merece el tema final, “We’ve had enough”, que nos traslada a la actualidad y nos habla de gente ahogada y políticos llenos de mentiras, y que como comentaba más arriba supone a modo de epílogo una profunda reflexión y encarnada denuncia de la situación actual de crisis que vivimos hoy en día.

Y es que este álbum resulta ser una traslación en tiempo y espacio del actual estado de rabia y desencanto en el que nos encontramos muchos de nosotros (la gran mayoría). No en vano, los Niño y Pistola han titulado su trabajo tomando prestado unas estrofas de Stephen Stills en su tema “For What’s it’s Worth”, que se convertiría a finales de los 60 en uno de los himnos anti – sistema más reconocidos en Estados Unidos. Con todo esto, la banda ha querido hacer un llamamiento a la reacción frente a una situación de injusticia causada por unos culpables a los que apuntan directamente con el dedo.

Como nos narra Tom en su relato, «Sostengo una pistola sagrada, por la gracia de Dios», aunque Niño y Pistola dicen que en este caso «somos nosotros los que estamos “del otro lado de la pistola”».

Disco de la Semana: “La Gravedad de Júpiter” de Local Qua4tro

Júpiter, como todos sabéis, es un planeta que ocupa el quinto lugar en el sistema solar. Una de sus características más destacables es su campo magnético, la gravedad con la que atrae a otros “cuerpos” hacia él contando con más de 60 satélites. A este disco le viene como anillo al dedo el título  La Gravedad de Júpiter  ya que una vez que los escuchas, quieres escucharlo una y otra vez.

Local Qua4tro es una banda con una larga andadura a sus espaldas. En 2006 vió la luz su primer Ep Sequía Goleadora donde se incluían 4 temas incluyendo  Las Flores de Morrissey. Este tema hace referencia al mítico concierto que el ex lider  de  The Smiths dio en el Starplex Amphitheatre de  Dallas el 17 de Junio de 1991. En ese concierto muchos fans enfervorecidos no pararon de subir constantemente al escenario y tirar flores al cantante que no pudo terminar la actuación y tuvo que salir corriendo dejando al micrófono a su guitarrista Alain Whyte.

En 2007 publicaron Cosas del Polo Norte y entre las canciones seleccionadas se encontraba la balada La canción del perfecto idiota. No mucho después, en 2008, podíamos escuchar  Hace media hora donde se atrevieron a incluir una versión del tema de Raphael Estuve enamorado. Ya en 2009 nos obsequiaron con otra de sus temas más emblemáticos, No malgastes el tabaco incluido en su Ep Recalificación de los terrenos urbanos.

Ahora, 4 años después, ha llegado a nuestras manos su último trabajo, La Gravedad de Júpiter. Un disco compuesto de 12 temas maduros fruto del trabajo de 24 meses mimando cada detalle a la perfección pero manteniendo intacta la esencia de la banda. Italia 90 es la encargada de “presentar” el disco a los fans. Es un tema alegre, lleno de fuerza que habla de de la perseverancia, de la fuerza de voluntad necesaria para no rendirse y llegar hasta el final. Una letra optimista acompañada a la perfección por un ritmo muy pegadizo y bailable que les ha llevado hasta el puesto 8 en el Concurso Revelación Nacional del Festival Contempopránea 2013.

I must es un tema que habla del fin de una relación con un toque poético y melancólico a la vez. Cuenta con un estribillo pegadizo con una letra cargada de resignación. La playa de los muertos es una canción triste que habla de los amores de verano y del paso del tiempo. Es un tema más lento con una melodía exquisita. Frank&Mente es una canción llena de fuerza que habla de una ruptura amorosa pero desde el punto de vista de la persona que rompe la relación porque ya no aguanta más. Esta canción te ayudará a reunir el valor necesario si te ves en una situación similar. Me quedo con la siguiente frase: “el miedo que confiesas a tu soledad, el vino lo podrá curar”.

Compartir es perder es un tema con ritmos sesenteros que recuerdan a grandes bandas del pasado. Podría haber sido uno de los temas que componían los guateques de mis padres y quizás por eso me encanta. Su letra está cargada de reproches y arrepentimiento, pero no debemos olvidar que de los errores se aprende y mucho. Bucles sin alcohol es una canción de amor emotiva con una melodía preciosa y una letra sencilla  que habla de sentimientos sinceros:” te haré reír, te haré llorar, te haré sentir tan especial que quieras ser por siempre mi reina”.

Popmentoneros es una “balada” de desamor con un ritmo muy peculiar reforzado por los coros de Ropero que enmarcan a la perfección la voz tan característica de Robo. Hoy es una canción intimista con una letra preciosa que se ha convertido desde la primera escucha en una de mis canciones favoritas del disco. Hacer las maletas es un tema más movido, más rápido y enérgico con una melodía que se penetra en la cabeza y no puedes parar de tararear.

Mi canción #7 es una clara declaración de amor. Una canción donde destacaría la letra de su estribillo, los coros y la melodía de base. Solomillo con este título tan suculento se nos presenta un tema alegre. Habla de los sentimientos de una persona coloquialmente conocida como pagafantas, es decir, un amigo enamorado de su amiga que quiere dar el siguiente paso pero y ¿ella? Casi veo a tus padres pone punto y final al disco con sus metáforas deportivas y su melodía contundente.

En definitiva La gravedad de Júpiter es un disco cuidado hasta el más mínimo detalle con unas letras sencillas pero sinceras que hablan del más universal de los temas: el amor y el consiguiente desamor. Sus ritmos recuerdan a la música de los años 60 y 70 que tanto nos gusta a muchos y nos vuelve melancólicos. Un álbum redondo sí señor.

Disco de la semana: “La Pareja Tóxica” – Zahara

Ella sigue siendo una chica pop, aunque ya no es fragil como Marylin por Warhol.

María Zahara Gordillo Campos nació Úbeda y, como se suele decir, vino con una guitarra bajo el brazo: a los 14 años compuso su primera canción y desde entonces la vida de Zahara no se ha separado ni un día de la música. Estudió un grado medio de guitarra que le facilitó la búsqueda de melodías e impulsó su imaginación para componer. Después vino la carrera de Magisterio Musical donde conoció un pianista con quien realizaría versiones de clásicos en versión jazz: de ahí el nombre del dúo, Jazzean2.

En 2005 autoeditó Día 913 y comenzó a tocar junto a dos chicos de Granada temas compuestos por ella misma. A finales de 2006, decidieron crear un proyecto independiente, y nació  Zahara Eléctrica.

El 26 de mayo de 2009 salió a la venta su primer álbum profesional, titulado “La fabulosa historia de…”, compuesto por 11 canciones y producido por Carlos Jean y Ricky Falkner para  Universal Music Spain. “Merezco” fue elegido como la canción oficial de la Vuelta ciclista a España 2009. Aunque ella siempre se ha preguntado qué tendrán que ver los aviones con las bicicletas seguro que más de uno la recuerda, que en el fondo es de lo que se trataba.

Ya en julio de 2011 Zahara anunció su salida de la discográfica y el regreso a la autogestión. Y de ahí a este nuevo disco producido por Ricky Falkner y grabado en La Casa Murada (Tarragona).

Además, en julio de 2011 comenzó el rodaje de una película basada en una de las canciones del disco, donde encarna el papel protagonista. El título de la película es “La mujer Ámérica” y cuenta una historia ambientada en los años 80 americanos. Así, cada single del disco va acompañado por un video que a modo e tráiler va desvelando distintas fases de la película. Una propuesta innovadora, atractiva y  poco usual. Vaya, todo un acierto.

“La Pareja Tóxica”

El 22 de Noviembre de 2011 salió  a la calle el álbum más íntimo y honesto de Zahara; una explosión de sentimientos y sinsabores después de un mal año que ha acabado en catarsis gracias a un disco de autoayuda (¿y que disco no lo es?) que ha acabado siendo un manual para las relaciones humanas en todas sus variantes. Un álbum mucho más áspero y franco que el anterior, grabado en directo con los músicos tocando a la vez y Ricky Falkner como director de orquesta.

“La Pareja Tóxica” trata de principios con finales anticipados, principios y finales que se superponen en un círculo que nunca dejamos de transitar. Un viaje sin atajos del que es imposible escapar. Una pareja tóxica como imagen del veneno que es antídoto a la vez. Un disco con un hilo conductor que podría empezar y acabar en cualquier canción.  Con unas letras impresionantes, una producción llena de potentes guitarras y unas melodías bien trabajadas “La Pareja Tóxica” es un álbum que se mueve en un equilibrio perfecto entre la nostalgia, la ira, la desesperación y la resignación.

Canción a canción:

El Universo: Puedes creer en Dios, no hay Dios.” Así comienza la canción del desengaño y la soledad más absoluta.

Leñador y la Mujer América: El amor, y el odio también, claro, son los superpoderes más eficaces  con los que podemos contar.

La Mujer Mayúscula y el Mar: Porque a veces salimos a pasear un rato y cuando nos damos cuenta estamos muy muy lejos de casa. Porque a veces salimos a tontear un rato y cuando nos damos cuenta nos han vuelto a romper el corazón.

El caso de emergencia: Porque al final cada día es una batalla contra todos y contra todo. Ah, y contra nosotros mismos, lo que nos lleva al harakiri emocional.

 El lugar donde viene a morir el amor: Hay un  momento en que uno se da cuenta de que la cosa ya no funciona,  y se pregunta ¿se habrá dado cuenta también? La respuesta casi siempre es que si, desde hace tiempo.

Del invierno: La canción que cierra el disco se titula “Adiós”, pero la canción que habla del adiós dentro del disco es esta.

General Sherman y cómo Sam Bell volvió de la Luna: Dos historias que tratan sobre cómo la huida suele acercarnos cada vez más a la tristeza en vez de alejarnos de ella: una mujer que después de tanto sufrir decide subirse al árbol más grande del mundo (General Sherman) para alejarse de todos, y así, mantenerse a salvo, en la superficie. La historia de él, Ricky Falkner,  es la de un hombre que quiere olvidarse de todo y se ofrece voluntario a subir a La Luna.

Mariposas: Compuesta por  Jorge Ochoa habla de desenamorarse y asumirlo con un cierto grado de melancolía. Es la canción más luminosa del disco.

Camino: Camino son todas aquellas personas que pasan por tu vida dejando cosas buenas.  Ellas son las que marcan tus pasos, las personas por las que irías hasta el fin del mundo.

Camino a L.A: La canción de la venganza, la catarsis, el desahogo.  Dolor y disfrute a partes iguales ¿A alguien le quedan dudas de que esta chica lo ha pasado mal? Una canción redonda.

Frágiles: Un viaje en autobús mirando por la ventana, con el sol en los ojos y la mirada escaneando postes eléctricos. El paso del tiempo en los momentos en que el tiempo no pasa. El vacío entre canción  y canción, entre relación y relación.

 Adiós: Escribir una canción de amor con la que está cayendo puede parecer algo frívolo pero, si te fijas bien ¿acaso las canciones de amor no encierran todo un “Universo”?

La fecha de salida de un disco es una mera anécdota porque a cada uno le llega el disco cuando le llega y después de la última semana puedo decir que este es uno de los discos  más inesperados y profundos que he escuchado nunca sobre el desamor. Aunque sea una putada, el dolor le ha hecho bien a Zahara para ser mejor artista.

Disco de la Semana: “Cabeza de León” de Jero Romero

Esta semana he elegido este disco a petición de mi compañera Isa P. Ella es una gran fan de Jero y ella fue la que me recomendó escuchar este disco. He de reconocer que al principio pensaba que no me iba a gustar, pero, para mi sorpresa, me encantó. Pero realmente terminó de enamorarme cuando vi su directo tan contagioso y animado.

Jero publicó este disco en 2011. Es su primer trabajo en solitario y por ello fue un disco muy esperado por sus fans. El giro musical que muestra en comparación a sus trabajos anteriores es brutal y quizás por eso haya tenido a algún que otro fan dudoso. Estas doce canciones te transmiten buenas vibraciones y optimismo desde que lo escuchas por primera vez. Tengo que reconocer que tiene algunos temas bastantes pegadizos que no podrás sacar de tu cabeza durante algunos días.

Correcto es la primera canción de disco. Este tema habla de obsesiones, de la manera de afrontar las situaciones que nos viene de frente. Yo personalmente os diré que la primera opción que te viene a la mente es la mejor y que si te equivocas no pasa nada de los errores se aprende o en palabras de Nietzsche:”lo que no mata, te hace más fuerte”. Las leves es un tema más movido que el anterior con un ritmo contagioso y un estribillo muy pegadizo. No sé porque pero cada vez que la escucho me transmite positivismo y energía. Señor gigante es una de mis canciones favoritas del álbum.  Es un tema más rico instrumentalmente hablando y su letra habla del valor, de no rendirse y seguir adelante. Seguro que todos nos hemos enfrentado a más de un Señor Gigante.

Devolverte es un tema que invita a la reflexión. Por un lado evoca reproches hacia la otra parte de una relación rota  pero por otro lado rememora los errores del pasado. Particularmente tiene una frase muy significativa “para que cambiarte si ya estabas bien”. Ya te lo decía yo es una canción que empieza fuerte y va in crescendo poco a poco. Es un tema, en el que desde mi punto de vista, Jero se luce vocalmente. Cabeza de león es la canción que da título al álbum. Es un tema muy rítmico, enérgico y bailable. Su estribillo es de los que te sorprenden a ti mismo tarareándolo o cantándolo sin querer.

Haciendo eses tiene un ritmo muy peculiar que es muy atrayente. Su letra es una clara declaración de intenciones, una forma original de decir”ya basta”. Nadie te ha tocado es quizás el tema más cañero del disco. De esta canción destacaría los coros y los toques de guitarra. Túmbate es una canción lenta e intimista prácticamente vocal. Su letra es preciosa y las subidas vocales ponen los pelos de punta.

Reloj de sol es un tema con un ritmo muy marcado que habla de dudas, de arrepentimiento y que busca la respuesta a la eterna respuesta a la pregunta ¿he tomado la decisión correcta? Desinhibida es mi canción favorita del disco. La letra recuerda a unos adolescentes ante el primer amor, las ganas de verse a todas horas, los nervios… Su base instrumental de violines es muy bonita. El as pone la guinda al pastel. Su letra es otra de las más bonitas de este disco  como podéis observar “con tanto arrepentido por ahí, yo siempre te he elegido para mí”.

Os recomiendo encarecidamente que escuchéis este disco. Es un trabajo redondo tanto instrumentalmente como en sus letras. A mi particularmente me encanta analizar las letras, intentar descifrar lo que quieren decir, y que me transmitan sensaciones al oírlas. Este disco lo cumple todo. Y como he dicho anteriormente, si tenéis la oportunidad de verlos en directo no la desaprovechéis. Solo me queda decir una cosa GRACIAS ISA por “hacerme” escuchar este disco. He disfrutando mucho esta semana al volver a escucharlo.

Disco de la semana: Super 8 – Los Planetas

El contexto:

El año de “Super 8” es el año en que:

– Desaparece Ylenia, la hija de Al Bano y Romina; Mueren Kurt Cobain y  Ayrton Senna; Sale la Play Station; Nace Justin Bieber.  Lillehammer, es sede de los Juegos Olímpicos de Invierno; Sofía Loren recibe un Oso de Oro especial del Festival de Berlín que ese año gana “En el nombre del padre”; Laura Pausini ocupa el primer lugar en el Festival de San Remo; Tupac Shakur y tres componentes de su grupo son robados y tiroteados en un estudio de grabación enNueva York.

– En España, Luis Roldán se da a la fuga; Arturo Pérez-Reverte escribe  “Territorio comanche; El Milán gana la Liga de Campeones al derrotar por 4-0 al Barcelona en Atenas; Es el año del penalti de Djukic; Hristo Stoichkov es balón de oro; El Joventut de Badalona gana la Copa de Europa de Baloncesto y en Roland Garros, el Tour de Francia y el Máster de Augusta se dan victorias españolas.

– Con respecto a la música por aquel entonces sonaban Ace of Base, Big Mountain, Bon Jovi, Los Green day de Dookie, Nirvana con su Unplugged, The Cramberries y el Zooropa de U2.

– Y yo hice mi viaje de fin de curso a Galicia con vuelta por Portugal. Todo esto cuando Los Planetas eran Florent, May, Paco y J, la primera formación del que acabaría siendo de largo el grupo más importante del indie español.

Ese mismo año Surfin´Bichos se separaban  y lo que luego dio en llamarse “la escena” todavía estaba en formación, aunque si eres un poco curioso habrás leído que en el 92 se llevó a cabo la mítica gira “Noise pop 92” con Penelope Trip, El Regalo de Silvia, Bach is Dead y Usura. Curiosamente estos últimos grabaron un LP con Elefant ya que Luis Calvo los eligió a ellos por delante de Los Planetas al no tener presupuesto para publicar dos álbumes, lo que hizo que los granadinos se decantasen por RCA, subsello de la multinacional BMG Ariola.

Visto como estaban las cosas tanto en el ámbito social como en el musical es de agradecer  que una multinacional como BMG Ariola, a través de su subsello RCA, tras el cual se encontraba el grupo alemán Bertelsmannse arriesgara en un disco para el cual se utilizaron unos métodos de promoción revolucionarios que en España no se habían utilizado nunca con un grupo independiente. Así Los Planetas se encontraron con un disco que nadie había hecho antes nunca, con una escena en plena formación y sin la competencia de grandes grupos como los antes nombrados Surfin´Bichos.

Y eso de grabar su debut para una multinacional, aunque ahora pueda parecer un tema superfluo seguro que entonces generó bastante debate, desde los que celebraban el paso porque les daba más libertad por los medios de los que iban a disponer, a los que les acusaban de rendirse al vil metal  de las arcas de una multi. De todas formas el paso de los años ha dejado a las claras que haberse quedado vagando en la tierra de nadie que suponían la gran mayoría de discográficas independientes del momento hubiese frenado una trayectoria que comenzó básicamente con la llegada a una gran empresa.

Y no crean que las escasas 10.000 copias vendidas (escasas para el 94, claro) supusieron un freno para los alemanes. Al contrario, al año siguiente “Super 8” se reeditó junto al EP “Nuevas Sensaciones”.  Una vez más, gracias señores de Bertelsmannse. Y así Los Planetas se fueron convirtiendo en ese grupo diferente, que marcaba los caminos para el resto de los grupos de la escena. El grupo más importante del momento (en cualquier momento), el que más esperanzas aglutinaba, el modelo a seguir dentro del universo del indie… Con el paso de los años la banda ha estado siempre en continua formación  aunque siempre se ha sustentado en dos pilares como J y Florent, los cuales a través de las voces, las letras y las guitarras han ido creando el universo planetero que hoy conocemos.

El disco:

Después de repasar el contexto y la curiosa manera en que Los Planetas llegan a RCA, es el momento de entrar en materia con el disco propiamente dicho. El título hacía referencia a la mítica cámara Súper 8, capaz de capturar la realidad cotidiana y transformarla en fantasía, pues no deja de convertirse en  fantasía todo lo que se ve a través de un monitor.

Con un sonido compacto pero bastante reconocible en otras propuestas extranjeras como The Jesus and Mary Chain, Sonic Youth o Joy Division, el disco rompe moldes siendo pionero en la utilización de recursos poco o nada oídos hasta entonces como capas de ruido que cubrían las voces o  textos tan ambiguos como “10.000” o “Jesús”.  Amén de la portada de Javier Aramburu que se convertiría en todo un icono generacional. Por todo esto “Super 8” es un disco inteligente supo ver el momento y posicionarse el primero de la lista.

Eligieron a Fino Oyonarte como productor por su gran labor tras Los Enemigos, que les llevó hacia ese sonido sucio tan de moda en los noventa y que, como luego se vería,  vendría muy adecuado para la voz de J y las guitarras del grupo. Al final se juntaron diez canciones que con el paso del tiempo han trascendido a hojas de ruta sin las cuales muchos de los grupos nacionales que hoy en día conocemos no hubiesen sido (ni serían) lo mismo.

Las canciones:

De viaje: Un hit, para muchos el hit. No hay mejor manera de abrir un disco que con una canción de amor en plan estrofa-estribillo-estrofa. Guitarras, distorsiones y desarrollos instrumentales para una presentación enorme.

Que puedo hacer se convierte en el himno definitivo del indie en los 90, con un video dirigido por el cineasta de culto Jess Franco, con el grupo pletórico y sus camisetas a rayas, sus gafas de sol tan pop y tan de siempre.

Si está bien muestra las señas de identidad del grupo: sonido sucio, distorsión guitarrera y la desde ya inconfundible voz de J. Recorriendo el camino serpenteante que va del Punk al Pop con un aire de inocencia propio de la edad.

En 10.000, pasando por Jesús y Estos últimos días se empiezan a ver los versos de dobles sentidos imposibles de J, donde el sexo o la sociedad (él estudió la carrera de Sociología) impregnan cada juego. Y es que el disco se mueve entre las historias de amor y desamor propias de un universitario, los escarceos más o menos atrevidos con las drogas y toda una suerte de vivencias de ámbito adolescente tan básicas e íntimas que cada cual las hace suyas buscando en cada frase una historia personal.

Brigitte fue el primer single elegido por el grupo aunque parecía, y sigue pareciendo, que los dos primeros temas estaban concebidos para tal empresa. Siguen los desarrollos de guitarras y un  J cada vez más atrás construyendo un pasaje de una belleza inusual, no a la vista de cualquier mirada.

Rey sombra  muestra un paisaje extraño, de enfermedad y esperanza, y hace un guiño a un género del que luego se harán bastante asiduos: Las  canciones largas de Los Planetas.

“Desorden”, rinde un sentido homenaje a uno de los ídolos de la banda, Ian Curtis, relatando flashes de su suicidio mezclado con versos de “Pictures of you” de The Cure.

La caja del diablopone el broche al disco  mostrando de una manera total a los verdaderos Planetas: Las guitarras arriba del todo y J lanzando enigmas desde la otra punta de la habitación.

Casi 20 años después de su salida al mercado es imposible valorar “Super 8” (RCA, 1994) sin tener en cuenta su significado en el contexto de la música independiente en España. Es esta conversión en icono pop la que hace tan difícil descubrir sus virtudes como simple recopilatorio de un conjunto de canciones que, sin ser perfectas, suponen el espejo en el que se han mirado el noventa por ciento de los grupos que han surgido a la sombra de Los Planetas. Al final Usura desapareció ese mismo año.

Disco de la semana: «Pequeños Trastornos sin Importancia», Julio De La Rosa

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El caso es que esta escasa repercusión mediática del artista jerezano se traduce en una (injusta) falta de expectación entre el público que sin embargo permite que podamos abordar y juzgar su nuevo trabajo sin que pesen expectativas y prejuicios creados.

También apuntan a este Pequeños Trastornos… como una continuación de La Herida Universal (Ernie Records, 2012); efectivamente ahí continúan las letras afiladas que destilan rencor y mala leche y que van presentando distintas versiones de un Julio de la Rosa a modo de los capullos de Moderna de Pueblo.

Sin embargo, cuando escuchas ya varias veces el álbum, da la sensación de que ha sido trabajado y planteado desde un punto de vista muy distinto. Pequeños Trastornos… es un disco más disco, entendiéndolo desde el concepto más clásico de álbum; por lo pronto es mucho más corto, tan sólo 10 cortes por los 16 de La Herida… que se hacía un poco largo a pesar de ser mucho más variado en estilos y recursos que este trabajo, mucho más homogéneo en su repertorio.

Por seguir marcando las distancias, decir que este nuevo trabajo es también más oscuro que el anterior, donde abundan los coros y los instrumentos que se van superponiendo unos a otros. No encontramos sin embargo las licencias y excentricidades que Julio sí se permitía en el anterior, como si él mismo hubiese querido tomarse más en serio a sí mismo como autor que le canta al desamor.

Mención aparte merecen las colaboraciones con las que el jerezano ha contado para la grabación de este disco; intérpretes de la talla de Bunbury, Xoel López o Miren Iza han respondido a su llamada para ponerse frente al micrófono; otros como Pau Roca, Abraham Boba o los Havalina al completo les han acompañado con sus instrumentos. En conjunto, una auténtica constelación de artistas que supone una delicia identificar en cada tema.

El repertorio empieza con fuerza con la soberbia “Colecciono sabotajes” y la reivindicativa “Gigante” (su riff en bucle se te incrusta en pleno subconsciente), y se ralentiza con “Kiss kiss kiss me” y “Un corazón lleno de escombros”, temas más en la línea marcada en La Herida Universal. El amago constante de “La fiera dentro” da pie sin embargo a la bonita balada dreamBorrón y cuenta nueva”; la costumbrista “Tarde a todas partes” y la despechada “Maldiciones comunes” encarrilan esta segunda parte del tracklist que finaliza con una de cal y otra de arena: la prescindible “Glorieta de trampas” y la memorable “El amor saludable”, de sencilla pero hermosa melodía de ritmo lento y cadencioso que te invita a disfrutar de la letra en la susurrante voz de De La Rosa.

En definitiva, podemos atrevernos a decir que Pequeños Trastornos Sin Importancia es mejor que La Herida Universal; y sin embargo debo reconocer que me gusta menos. Aquel manual sobre el amor estaba repleto de rarezas y pequeñas locuras que suponían un bacheado pero emocionante viaje; este trabajo en cambio carece del factor sorpresa que esas pequeñas joyas le conferían a La Herida… y, como me contaba mi estimada Charlotte Harris (@C_Harris87), es menos conceptual, lo que a la larga le resta personalidad.

Aunque una cosa es innegable: con Pequeños Trastornos Sin Importancia, Julio de la Rosa ha firmado un disco de factura preciosista y elaboración impecable (grabación, colaboraciones, formato físico…), que lo sitúan de una vez por todas en primera fila del panorama independiente español.

Disco de la Semana: “Santacruz” de Supersubmarina

Los chicos de Baeza presentaron su 2º disco en 2012. Este era una de mis candidaturas a disco del año, pero finalmente no se incluyó en la lista.

Santacruz está compuesto de onces temas que reflejan estados de ánimo, sentimientos con los que cualquier persona se identificaría sin problemas.

Es un trabajo donde Chino y los suyos han alcanzado la madurez tanto en sus letras como en sus melodías. En este tiempo, sus componentes también han madurado, han adquirido “tablas”  y seguridad en los escenarios, han perfeccionado sus composiciones y como resultado de ello nos traen un disco muy completo y redondo.

Las 11 canciones que componen este trabajo versan sobre una temática muy concreta, el final de una relación y sus consecuencias. Canción de guerra es una declaración clara de intenciones. En una ruptura hay dos personas, cada una de ellas con su propia versión y siempre dispuestos a defenderla. Es la carta de presentación perfecta, mostrando la fuerza de sus melodías y las letras pegadizas. Santacruz, es el tema que da título al álbum. Es una expresión andaluza que hace referencia a “llevar el peso de algo a cuestas”. Refleja los sentimientos de amor/odio que sentimos cuando terminamos con alguien. Destacaría sus cambios de ritmo, su estribillo bailable y pegadizo y los giros vocales de Jose.

Hermética es una canción más cañera con toques electrónicos. Su letra expresa la reflexión/valoración que hacemos de los últimos momentos de la relación, después de darte cuenta de que todo ha terminado. Es la típica canción con la que los fans se dejarán la garganta en los directos. En mis venas es mi canción favorita del disco. Es una canción que rebosa fuerza con una letra cargada de reproches en la que especialmente destacaría el estribillo y la parte instrumental del final.

Tu saeta es un tema con una ritmo muy peculiar y marcado y cuya letra te invita a entrar en el típico juego de “ha sido tu culpa y no la mía”. Desde mi punto de vista una de las mejores canciones de la banda. Para dormir cuando no estés representa la fase de la melancolía y la tristeza, la rememoración de los buenos momentos y el sentimiento de vacío que generan. Es una canción profunda e intimista preciosa. El baile de los muertos es la nota discordante del disco. Es un tema enérgico que habla de la situación actual que a muchos nos ha tocado vivir. Es una especie de “canción protesta”.

De las dudas infinitas es una balada preciosa que habla de la esperanza. Esperanza de que esa persona vuelva, esperanza de sacar “algo bueno” de lo malo que has vivido y esperanza de superar la situación. Destacaría especialmente los coros de este tema. Tecnicolor es una canción con un ritmo muy potente y muy bailable. Su letra está llena de reproches, “rencores” pasados y de rabia contenida. Es un tema en el que podemos apreciar a la banda en estado puro.

Cometas crea un paralelismo entre los giros que da la vida y la trayectoria de los cometas. Es un tema en el que, personalmente creo, que Chino se luce más vocalmente. Su mensaje me recuerda a una frase: “El momento más oscuro de la noche es justo antes de que salga el sol”. Hogueras tiene una melodía muy peculiar y pegadiza. La guinda perfecta del pastel.

Santacruz es un trabajo redondo que recomiendo escuchar olvidándonos de los absurdos prejuicios y de las “etiquetas” que a muchos les encanta poner a las bandas. Supersubmarina es una banda joven, que va creciendo y que puede tener una trayectoria larga. Es una de las bandas confirmadas para el Contempopránea 2013.

Disco de la Semana: “Atlántico” de Xoel López

Los que me sigáis un poco o hayáis leído algún disco de la semana escrito por una servidora, sabréis que suelo centrarme en las letras de las canciones y en las sensaciones que me transmiten.

Tampoco suelo hacer caso a los comentarios previos que escucho de los discos, ya que prefiero escucharlos libre de prejuicios. Esta vez no iba a ser distinta, todo el mundo me comentaba el nuevo disco de  Xoel López. Había opiniones dispares pero yo decidí escucharlo y elaborarme la mía propia.

Sé que el disco tiene ya tiempo, pero no sé por qué llevo varios días con sus canciones en la cabeza y, por esa razón, es mi disco de la semana. Atlántico está compuesto por 12 temas. Hombre de ninguna parte es un tema lleno de ritmo y su letra nos refleja la sensación de sentir que no perteneces a ningún sitio. Es una buena carta de presentación de lo que nos espera, del gran cambio musical de Xoel. La gran montaña es una canción que habla de cambios, de penurias y de las recompensas finales. Para mí es una de las canciones más bonitas del disco.

Por el viejo barrio es una canción de cantautor en estado puro con toques de ritmos latinos. De su letra se pueden sacar frases tan sentidas como “Para que seguir viviendo, para que seguir rezando” o “Como te recuerdo ahora es como quiero recordarte”. Caballero es un tema reivindicativo lleno de reproches. Una canción que denuncia ciertas actitudes machistas. Buenos Aires, es desde mi punto de vista, una manera muy original de expresar lo que ha supuesto para él el cambio y  su estancia en esa ciudad. Es una de las canciones donde aún podemos apreciar la potencia vocal de Xoel en ciertos momentos.

De piedras y arena mojada es mi canción favorita del disco. Si el ritmo es muy pegadizo, los coros están muy cuidados y hay una frase en su letra que me encanta “tú ya no recuerdas nada y yo ya no creo en los fantasmas”. La boca del volcán es un tema lento para lucir la voz. Su ritmo le va como anillo al dedo a su letra intimista. Desafinado amor es una canción más movida, más pop. Postal de Nueva York es otra canción profunda con una guitarra excepcional que pone los pelos de punta.

Tierra es un tema en tono melancólico cantando solo acompañado por una guitarra. A pesar de lo que parece, para mí su letra es optimista, quedaros con la frase “Y no me da la gana de pensar que nada es para siempre. Joven poeta es una canción llena de sentimiento al más estilo del “otro lado del charco” ¿quién no se ha dejado seducir por su melodía? El asaltante de estaciones cierra el disco. Lo que más llama la atención de ella son sus cambios de ritmos y sus curiosos coros.

En definitiva es un disco que merece la pena escuchar si aún no los has hecho ya.  A mí personalmente me relaja bastante y durante los minutos que dura me hace olvidar los problemillas que tenga. Cierra los ojos y déjate llevar a cualquier otro lugar.

EP de la semana: “Canciones de temporada” de Marklenders

Bajo el nombre de este futbolista de ficción se esconde un trío de Huelva que este año han publicado un EP titulado “Canciones de temporada”, de escucha fácil y que esconde algunas perlas sorprendentes si se toma uno la calma de escucharla con detenimiento.

“Canciones de temporada” llegó a mis oídos por recomendación de nuestro colaborador, (y amigo) Campini. Tuve la suerte de hacerle caso. El grupo mezcla varias influencias reconocibles consiguiendo, sin embargo, extraer un sonido propio en cada tema. Es de destacar que cada una de las seis canciones del EP cuenta con su propia personalidad, no es de esos grupos que te parece estar siempre escuchando el mismo tema.

Había hecho un repaso de las seis canciones del disco y lo he borrrado porque me estaba quedando de un pedante insoportable y muy frío. Baste decir que lo que más me gusta de este disco es las partes en las que la instrumentación revienta en matices y arropa las letras, como en el estribillo de “Invierno en Gandía”, o la segunda parte de “Vuelvo”; lo brillante de la letra de “En Blanco” y gritar en mi cabeza “¿Cuándo voy a conseguir levantarme y salir de aquí?”. Así que lo mejor es que le dediquéis media hora (para escucharlo dos veces), y juzguéis por vosotros mismos.

Campini nos dice que pronto visitarán Badajoz, espero poder ir a verlos actuar en directo porque seguro que sus temas sonarán bastante potentes de cerca.

 

Disco de la Semana: “Con mi tiempo y el progreso” de Linda Mirada

Hace ya unos cuantos veranos llegó a mis oídos el debut de Linda Mirada, A.k.a. Ana Naranjo, y se convirtió en una de esas referencias musicales permanentes a las que terminas volviendo una y otra vez. Ahora, se amplia este pequeño mundo sonoro que ha construido.

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No voy a ser tan atrevido como para afirmar que “nadie en España” hace algo parecido a lo que se muestra en “Con mi tiempo y el progreso” (Discoteca Océano 2012), pero es innegable que Ana ha sabido construir un sonido particular y propio, con una ‘textura’ única, marca de la casa en la que se mantienen los sonidos electrónicos. Hay que escucharlo con auriculares para captar bien todos los matices que construyen esta atmósfera especial.

Ana Naranjo (Foto de Silvia Varela para Neo2 Magazine)

Es la historia de un verano adolescente, o el reflejo de muchos de esos veranos, que empieza con un viaje a la costa, y en el que se experimentan todo tipo de sensaciones. En casi todas las canciones hay un deje de nostalgia (tienen un aire a canciones familiares sin que seas capaz de identificar cuál) pero nada de sensiblería y las imágenes que dibuja Ana con las letras tienen la fuerza de la sencillez y la habilidad de hacerte sentir identificado con cada situación.

Los hits, (para mi gusto)

Secundario: Una historia de amor o de cabezonería, mantenerse unido a alguien por mantener la inercia o por no saber qué otra cosa hacer. A pesar de que la pareja se haya convertido en “un chiste malo”.

Aire: La historia de una de esas noches de verano, en lo que todo se va de las manos. Con un toque africano/tropical (a pesar de lo que me repelen esas palabras) que consigue crear un ambiente realista, de expectación sobre qué es lo que va a pasar esa noche, que todos hemos vivido y que es inevitable rememorar.

De buena familia, de barrio residencial: Viviendo, y sobre todo, habiendo crecido, en una de esas “ciudades de provincia” que se mencionan al inicio del tema, ¿cómo pueden alguien no sentirse identificado? El que no haya vivido nunca una historia como esta miente descaradamente. Inevitable terminar tarareándola “Uaiuaaa uaiuaaaaaaa”.

La Playa: Esta canción avanza con el ritmo pausado pero constante de lo inevitable, del que no tiene prisa por dar el siguiente paso porque ya sabe qué es lo que va a pasar, y desea que pase. Del que sabe que cuando te hablan “de ir de mochilero por el Tibidabo” no te están hablando de turismo (si no pillas la referencia, definitivamente, eres demasiado joven).

Conclusión:

Este disco tiene la habilidad de hacerte recordar, de sacar de tu cabeza emociones e imágenes que hace tiempo que tenías guardadas. Causa el mismo efecto que descubrir un álbum con las fotos de aquel verano que ni siquiera  sabías que tenías en casa.

El único círculo perfecto es el imaginario, y “Con mi tiempo y el progreso” usa tus recuerdos para fabricar el verano ideal e irrecuperable. Por eso no sé si es que me gusta porque es un buen disco, o por las sensaciones que he tenido al escucharlo. En todo caso, creo que muchas de sus canciones se van a quedar conmigo para siempre.