Grupo de la Semana: Izal

¿Quién no ha oído hablar de Izal a estas alturas? Y es que estos madrileños están en boca de todos desde hace un par de años y es que son muchos los que han visto el ya famoso vídeo de ellos cantando en la Plaza del Trigo de Aranda de Duero. Por esta y por otras muchas otras razones, esta semana son nuestro grupo de la semana.

Aunque la banda como tal no se formó hasta 2010, Mikel Izal (vocalista y compositor), Alejandro Jordá (batería), Enmanuel Pérez (Bajo), Alberto Pérez (guitarras) e Iván Mella (teclado) tienen una larga trayectoria musical de más de 10 años a sus espaldas vinculados a diversos grupos. Al unirse encontraron un sonido propio, que a base de esfuerzos, les ha proporcionado una nombre en el panorama musical nacional.

 Tan sólo unos meses después de su formación, ya recorrían diversas salas por la geografía española vendiendo más de 1000 copias de su primer ep autoeditado, Teletransporte, cosechando grandes elogios por parte de la crítica y el público. Todo esfuerzo tiene su recompensa, y en el caso de estos chicos, consiguieron en muy poco tiempo actuar en una festival nacional como Sonorama y “cruzar el charco” participando en el Festival Internacional de Quito, Ecuador.

Tras este primer EP, en Marzo de 2012 publican su primer Lp, Magia & Efectos especiales. Un disco nacido de la auto-gestión artística y económica, que les ha servido para consolidarse no sólo por las ventas obtenidas sino también por la gran gira que llevaron a cabo durante el verano de 2013. IZAL han estado presentes en 17 festivales y han conseguido  ganar el Premio de la música Independiente, en la categoría de “Grupo Revelación”.

El 29 de Octubre de 2013 salió a la venta el esperado segundo trabajo de la banda titulado Agujeros de gusano.  Este trabajo les ha proporcionado el salto definitivo a la primera línea del panorama musical. Actualmente están inmersos en su gira de presentación que les llevará a recorrer numerosas salas y festivales por todo el páis.

Discografía:

 Magia & Efectos Especiales (2012): es un trabajo compuesto por 11 temas en donde se pueden apreciar las señas identificativas de la banda, melodías cuidadas y letras cargadas de sentimiento. Incluye dos temas del anterior ep, Sueños lentos y aviones veloces y Ajam.

Destacaría Prueba y error por su estribillo potente y pegadizo y su letra que habla,precisamente, de aprender de los errores, Magia y efectos especiales es un tema que va in crecendo a medida que avanza, su letra llena de reproches es gritada a pleno pulmón por todos sus fans en los conciertos, Que bien ya se ha convertido en un himno de la banda y su interpretación en la plaza del trigo es legendaria, es un tema muy pegadizo con una letra apasionada e insinuante.

La mujer verde  habla de una superheroína nada convencional y de la necesidad de pedir ayuda en algunas situaciones y Tu continente es un tema lleno de energía que refleja a la perfección el conocido dicho “cada uno recoge lo que siembra” y en este caso es “caminar solo en tu continente”.

 Agujeros de Gusano (2013): este segundo trabajo le ha llevado a consolidar su estilo y su posición dentro del mundo musical. Compuesto por 14 temas entre ellos uno en versión acústica y una tema divido en tres. Destacaría Asuntos delicados es un tema muy bailable que te invita a disfrutar y olvidarte de tus problemas por un momento, Hambre fue el primer single del disco, su letra nos evoca nuestro lado más animal, nuestros temores y necesidades irracionales, Agujeros de gusano es el tema que da nombre al disco, su letra está muy cuidada y combina a la perfección con esa melodía sugerente  y Pánico práctico tiene un ritmo muy marcado y pegadizo y una letra que no puedes dejar de tararear.

 Izal es una banda que ha conseguido llegar lejos en muy poco tiempo. Algunos critican que no aporten nada distinto pero yo no estoy para nada de acuerdo. Desde mi punto de vista, la manera que tiene Mikel de expresar los distintos sentimientos en sus letras es única y a la hora de interpretarlas ganan mucha fuerza con la compañía de las guitarras y la percusión. En definitiva, una banda que merece la pena escuchar en cualquier estado de ánimo y que merece la pena verlos en directo.


Disco (grupo) de la Semana: León Benavente

Hablar de León Benavente (el grupo) sin hablar de León Benavente (el disco) o hablar de León Benavente (el disco) sin hablar de León Benavente (el grupo) es una tarea prácticamente imposible, porque ambos van unidos y hacen un todo, por ahora, porque vista la acogida de ambos por parte del público y la crítica, que está siendo tan buena, no parece que vaya a ser un fenómeno pasajero y que habrá más discos.

Y es que, León Benavente es un grupo que se ha forjado de forma natural, a fuerza de amistad y de intereses comunes, lo cual se nota en León Benavente (Marxophone, 2013), un disco donde la experiencia y el saber hacer se notan desde el principio, desde la primera canción.

Pero intentemos  profundizar primero en León Benavente, el grupo…

No es este uno de esos grupos que “salen de la nada” de gente desconocida que lleva años intentando labrarse un camino en esto del mundo de la música y de pronto saltan a la palestra, no, porque sus integrantes son gente que ya tienen las suelas de los zapatos desgastadas de pisar escenarios… Más que conocidos son todos, Abraham Boba y Luis Rodríguez,  que llevan años trabajando con Nacho Vegas, Eduardo Baos de Tachenko y Cesar Verdú, de Schwarz. Cuatro personas que, después de un largo camino por separado, deciden embarcarse en uno nuevo, pero juntos, un comienzo que describe de manera curiosa y casi poética Nacho Vegas. Poco más se puede decir de León Banavente, es mejor leer lo que dice alguien que los conoce.

Y ese nuevo camino es el que describe León Benavente (publicado en Julio de este año), porque, como bien dicen los entendidos, este disco cuenta una trayectoria, pasando por muchos lugares, una trayectoria que no solo cuenta el camino físico, también un camino emocional.

Pero eso no es lo que yo digo, lo dice la gente que sabe. Lo único que yo sé seguro es que no hace falta ser un entendido para disfrutar de este disco de principio a fin y que es uno de esos discos que te enganchan y que escuchas en bucle una y otra vez, hasta que todo cobra sentido (como dice el propio Nacho Vengas, no es un disco que se pueda escuchar de modo aleatorio), porque conecta con la realidad de hoy y te sientes identificado con cada letra, con cada canción. Y no solo eso, es que es un disco bien hecho musicalmente hablando, porque a cada buena letra va acompaña de una gran melodía, haciéndolas pequeñas historias, conectadas unas con otras, que son pequeñas obras maestras.

Y así comenzamos a intentar profundizar en León Benavente, el disco…

“Animo, Valiente” abre el disco y lo que más llama la atención de esta canción no es esa letra cargada de ironía (una palmadita en la espalda mientras se pone cara de condescendencia), si no la voz de Abraham Boba y ese ritmo que ya nos hace ver que este no va a ser un disco de ese pop fácil al que se puede estar más acostumbrado, que es algo elaborado, que tiene fuerza y que se va a mantener en cada canción, como en “Las Hienas” con esas guitarras y la batería se te clavan, por lo potentes que son, con un ritmo marcado que enmarca una letra dura, que representa bien la situación que vivimos, temática que se puede extrapolar al resto de canciones, porque todas parecen hablar de una realidad jodida, esta realidad que nos ha tocado. Aunque se pueden interpretar también como un estado de desasosiego causado no solo por la situación socioeconómica, sino también causado por motivos más sentimentales. Esto pasa, por ejemplo, en “Estado provisional”, quién no se ha sentido hundido, sin encontrarle sentido a nada cuando algo ha salido mal (un proyecto o una relación…). Pero no acaba ahí la decadencia, porque ese estado de desasosiego producido por la situación continúa en “Las Ruinas”, “solo queda el desencanto y la ciudad es un verdadero espanto”.

“La Palabra” te saca un poco de ese bucle musical del inicio del disco, aunque sí que continúa con esos estados de ánimo que nos atormentan. Son todo frases hechas que se usan cuando acaba algo, desprovistas de todo significado en realidad, ¿qué significa todo eso?. “déjate de historias de una nueva etapa y si me quieres tanto dime la verdad, o calla”, duro y directo, como la vida misma, enmarcado en un ritmo frenético y potente, que lo hace todo aun más duro y oscuro.

Regresamos a la calma musical con “Década”, pero continuamos con ese sentimiento que nos es tan conocido, el de no saber que va a ser de nosotros porque ya da igual todo, da igual donde estés, todo lo que te hayas preparado. Y ese estado de confusión que tan bien se nos transmite con la voz de Boba termina con una frase también mil veces repetida, “lo que está claro es que algo tiene que cambiar”, aunque sepamos que, por ahora, no puede pasar porque estamos inmersos y nos ha alcanzado “La gran desilusión”. Qué mejor voz para transmitir esa desilusión que la preciosa y melancólica voz de Irantzu Valencia de La Buena Vida, una preciosidad de canción precisamente por esa melancolía que transmite esa perfecta combinación de voces.

De “El Rey Ricardo” poco hay que decir, porque habla por sí misma, está claro que estamos permitiendo que se aprovechen de nosotros, el sistema está fallando y poco parece que podamos hacer “Soy el rey Ricardo y de aquí no me muevo”, y por eso necesitamos una “Revolución”, un cambio de una vez por todas, adaptado a los nuevos tiempos que vivimos.

El punto final, de la primera de muchas escuchas, la pone “Ser Brigada”, una canción de esas que te enganchan por su ritmo frenético y por su letra. Es quizás la única canción que habla directamente de una relación de pareja, aunque un tanto especial (porque más que pareja son brigada) y porque la historia es diferente a las convencionales. El punto femenino lo pone Cristina de El Columpio Asesino, parece estar hecha para que ella le ponga voz.

Y con esto acabamos un viaje que ha pasado por distintos estados de ánimo y por distintos puntos geográficos, haciendo de este disco un trabajo completo, honesto, redondo, bien elaborado y bien llevado al directo, porque así lo han demostrado desde que empezaron la gira y, ahora, por fin, los podremos ver en casa este próximo viernes 8 en la sala Aftasí.

Grupo de la Semana: Idealipsticks

Idealipsticks es uno de los “grupos de la semana” que más me ha costado hacer por varios motivos, porque no encontraba una biografía “oficial” en la que apoyarme y porque, sinceramente, los conocía poco (sólo algunas canciones sueltas  y escucharlos casi de pasada en algún festival), por lo que ha sido, al final, el grupo que más me ha gustado hacer y con el que más me he sorprendido.

Idealipsticks-05-09Eva y Jave (Ryjlen) son de Guadalajara. Antes de Idealipsticks lideraban un grupo, Suitcase, pero aquello no terminó de cuajar y se fueron, escaparon a Londres sin billete de vuelta y allí comenzaron de cero y nació el nuevo proyecto.

En 2009 publican su primer trabajo “Radio Days” (no sin antes pasear la demo por varios sitios), disco contundente, con guitarras y baterías potentes y que engancha desde la canción primera, por la inmediatez, por la fuerza que transmite. Un disco que fue elegido como disco del año por parte de varias publicaciones y programas de radio, y con el que ganan el festival Rock Villa de Madrid.

Después de este gran debut, en 2010 publican “Sins and songs” con el sello Astromúsica. Este nuevo disco es más rockero que el anterior. En el nos encontramos con canciones con una mayor fluidez entre ambos, compaginando y compactando en cada tema las voces, la música. Destaca la sensualidad de la voz de Eva, que suena con la cadencia del blues en la mayoría de las canciones. Es un disco que nos trae momentos tan “sensuales” (por no decir guarrillos) como este vídeo de “Losers and Lovers”

Hace poco más de un mes apareció, al fin, el nuevo trabajo “Humanimal”, donde el dúo han echado más tiempo y trabajo, haciendo de este un disco que alcanza el equilibrio entre sus dos discos anteriores (esto no lo digo yo, lo dicen expertos), y sí que se nota que es un disco aún más compacto si cabe, con más de eso que llaman “actitud” (esto lo digo yo, es mi opinión de ignorante) y que, seguramente, en directo, tenga una fuerza brutal.

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En este disco se refleja todo lo que es Idealipsticks, que beben del rock and roll, beben del garage, del blues, del soul… beben de esos ritmos que nos traen recuerdos de otros tiempos y de otros lugares (quién diría que son de Guadalajara) y por eso, en este Humanimal aparecen tantos estilos.

Ahora están en plena gira de presentación, si tenéis la oportunidad no os los perdáis, porque en el escenario no solo derrochan calidad, si no también sensualidad (esto lo he visto en youtube, que no me pille nadie en un renuncio), algo que, supongo, da ese tener “actitud” y la confianza que supone ser pareja dentro y  fuera del escenario.

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El próximo concierto es este viernes 24 en Sala Aftasí, es vuestra oportunidad de disfrutar de Idealipsticks en directo, ¡no os lo perdáis!

Grupo de la Semana: Estereotypo

Una semana más, aprovechamos que vuelve un grupo a una de nuestras salas preferidas para conocerlos un poco más. Esta vez se trata de Estereotypo, que en unos días vendrán a la Sala Aftasí de nuevo para presentarnos su reciente disco, de título homónimo, publicado el pasado Enero.

 

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Estereotypo nace a finales de 2006 en Santander (Cantabria), formado por David Van Bylen (bajo, guitarra, samplers, voz), Fran Fernández (guitarra, sintetizador, coros) y Sergio Madrazo (batería, samplers y coros)

En el año 2007 graban una maqueta que fue elegida como Demo del año en Cantabria por la revista Mondosonoro, con la que se dan a conocer ganándose una buena reputación y muchos seguidores, no solo gracias a las redes sociales, sino también a que los directos enganchaban a cualquiera, por la energía transmitida sobre el escenario.

Tras este éxito, deciden autoeditar su primer disco en 2008 “Join the electro funky party!” que en 2009 fue reeditado por Astro Discos.

Además, en 2008 ganan el concurso de maquetas del festival Sonorama, que les permitió tocar en el festival y, además, grabar un videoclip para “Pleasure”, que fue el single de la reedición del disco en 2009.

Con la aparición en 2009 de Join the electro funky party, esta vez editado por Astro, realizan una larga gira por toda la geografía española, ganándose, con unos directos espectaculares, una buena fama por donde pasaban.

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En 2010 aparece en el mercado “Love Your City”, también editado por Astro y masterizado por Mike Marsh (Chemical Brothers, Phoenix,…) en el estudio londinense The Exchange. Este disco les consolida como uno de los mejores grupos de la escena musical española y entran en listas de lo mejor del año en revistas como Mondo Sonoro.

Ese mismo año, publican un EP “It´s time (Estereotypo dances their firts singles)“, en el que aparecían canciones de sus dos discos, remezcladas y remasterizadas, y una versión del Love me Do de The Beatles, que ya había aparecido en un disco tributo “Homenaje 50 aniversario The Beatles”

En 2011 aparece “Remixes“, un álbum con lo mejor de “Join the electro funky party!” y de “Love Your City” , remezclado por algunos de los principales DJs y productores de la escena dance española, como David Kano (Cycle), Buffet Libre, Sidechains o el propio David van Bylen.

Después de una larga gira de casi 5 años, hacen parón para sentarse a descansar y trabajar en el siguiente disco. Estereotypo reaparecen este año 2013 con un nuevo trabajo, publicado el pasado mes de Enero.

Estereotypo” es el reflejo de un cambio vital, un trabajo más maduro fruto de la experiencia, pero también de la experimentación, un trabajo más calmado que los anteriores y con el que han comenzado una gira que les llevará por todo el país.

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Con esta trayectoria y después de haberlos tenido por nuestra ciudad en varias ocasiones, hay ganas de comprobar cómo suena este nuevo disco en directo. Si no los has visto nunca no pierdas la oportunidad este sábado, puedes comprar tu entrada anticipada en CAFE SAMARKANDA, CAFÉ DADÁ Y MONOS CON PISTOLAS.

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Grupo de la Semana: Arizona Baby

Aprovechando que dentro de una semana volverán a la Sala Aftasí, esta vez solos sin los Coronas, vamos a repasar un poco la trayectoria de Arizona Baby, que con la tontería ya llevan 10 añitos sobre los escenarios.

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Arizona Baby, grupo de estilo rock-country- psicodélico (según su myspace) nace en Valladolid, en el año 2003, de la mano de Javier Vielba (voz, guitarra), Rubén Marrón (guitarra) y Marcos Úbeda (percusión y voz), más tarde Hermo aparece como el responsable de la percusión en sustitución de Marcos.

Desde su primer disco autoeditado, Songs to sing along, que fue publicado en el año 2005, se nota el rumbo que van a tomar y su repercusión, ya que hasta la publicación del siguiente disco en 2009 su popularidad sube como la espuma gracias a un directo impresionante, pese a que son solo tres sobre el escenario.

Songs to sing along es un disco sencillo, marcadamente acústico, en el que se hace patente que las grandes bandas poco necesitan para hacer un buen trabajo.

Todo se hace un poco más evidente cuando aparece en el mercado Second to none, producido por Paco Loco y bajo el sello Subterfuge Records, en Octubre de 2009. Con este disco y este estilo tan característico, mezcla tan impecable de rock and roll, western, folk… esos sonidos que nos recuerdan al lejano oeste y que se refleja también en sus estilismos, y con un directo en el que imprimen más fuerza aún a las canciones, se ganan el respeto de la crítica. Giran por toda España ya con un nombre más que consolidado y, por suerte, aquí pudimos disfrutar de ellos.

En este disco aparecen temas tan reconocibles como este Shiralee, single presentación de este trabajo.

En 2010, Arizona Baby se embarcan en una gira con Los Corona, “Dos bandas y un destino” con la que han estado en gran parte de la geografía española, por salas y grandes festivales, en la que daban la vuelta a los temas de ambos grupos y versiones de otros, en una conjunción total de estilos, encajando a la perfección.

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A tanto llegó la fusión de ambos que se deciden a hacerlo total y grabar un disco en 2011, bajo el nombre de Corizonas,  The News Today (Subterfuge), con 12 temas en los que se reflejan las dotes de ambas bandas.

Por Badajoz se pasaron dejando patente que, sobre el escenario, se dejan la piel y hacen que el público se entregue a ellos (puedes recordarlo aquí)

Pero como grupo, Arizona Baby no dejan de trabajar en su nuevo disco, y en Octubre del año pasado nos presentaron el EP, The Truth, the whole truth and nothing but the truht, con seis temas nuevos y dos bonus tracks, una versión “The model” de Kraftwerk, y  “The truth is on the radio“.

Ahora solo queda esperar, mientras disfrutamos de este EP, al lanzamiento del nuevo disco, que aparecerá en este año.

Podrás verlos por Extremadura las siguientes fechas:

Viernes, 8 de marzo- Cáceres– Sala Barroco. Entrada anticipada 12 € en Monos con Pistolas. Entrada en taquilla 15 €.

 Sábado, 9 de marzo- Badajoz– Sala Aftasi. Entrada anticipada 12 € en Café Samarkanda. Entrada en taquilla 15 €.

Grupo de la Semana: The Dandy Warhols

La banda americana más británica de las últimas décadas ha regresado este año con un disco maduro y libre de artificios con el que están girando por todo el mundo, y entre otras citas podremos verlos esta misma semana en el escenario del Sonoroma. Con motivo de su presencia en Aranda, hacemos un repaso a su trayectoria.

Los Dandy Warhols es una de esas muchas bandas con las que dices “Ah, ¿esa canción es de ellos?”, una formación de innegable talento que sin embargo no consiguió responder del todo a las expectativas que se crearon a su alrededor y no consiguieron explotar cuando tuvieron su oportunidad, como sí hicieron otras bandas como The Strokes o The Killers, debido a una irregular trayectoria musical en la que han ido haciendo eses de un estilo a otro y nunca parecen encontrar su sonido. En cualquier caso, estamos a una banda con una carrera consolidada, millones de copias de copias vendidas de nada menos que ocho álbumes de estudio y un nombre muy respetado por crítica, público y colegas de profesión.

La banda

La historia de The Dandy Warhols es una historia de gente rebotada, de una lavandería de Portland y de amigos y familiares que entran y salen de la formación; cualquier éxito cosechado podría haber sido por pura casualidad. El protagonista es Courtney Taylor – Taylor, que a pesar de su poco masculino nombre se trata de un tío con buena planta que da bastante el pego como estrella del rock en carteles promocionales y pósteres centrales de revistas como la Superpop. Courtney venía de tocar la batería en algunas bandas de Portland, hasta que en 1994 decide que lo suyo es la guitarra eléctrica y le pide que le enseñe al guitarrista PeterHolmstrom, que a su vez venía rebotado de sus clases de arte en la Universidad de Nueva York.

 Por otro lado, tras un intento fallido de colocar a su propia novia como bajista, Courtney descubre en una cafetería a la bajista y teclista Zia McCabe (según cuentan en su Facebook), que venía de huir de una suerte de cabaña – comuna construída por su padre. Por último vendría el batería Eric Hedford, que por una disputa por los royalties abandonaría los Dandys cuatro años más tarde, justo antes del gran pelotazo de la banda. Estúpido…

 Courtney haría de nuevo de electricista y enchufaría a su primo Brent DeBoer, es un gesto más que demostraba que la formación era ante todo un grupo de amigos que, en palabras del cantante, «necesitaban la música para beber». Todos juntos comenzaron sus planes sentados en el suelo del cuarto de lavado de su edificio; el propio Courtney bromearía años más tardeasegurando que tuvo que aprender de nuevo a tocar la guitarra de pie.

 Discografía

 Si hay algo que se le achaca a Dandy Warhols son sus constantes cambios de estilo, dando bandazos sin rumbo fijo del shoegaze más ruidoso al pop más comercial. Aunque su debut lo hicieron con el muy garagero Dandys Rule OK(Tim/Kerr Records, 1995), su verdadera prueba de fuego la vivieron con …The Dandy Warhols Come Down(Capitol Records, 1997), con el que adoptaron sonidos de pop psicodélico mucho más comerciales y asequibles, ya que suponía su estreno con un gran sello.

 Pero el pelotazo gordo lo pegaron con Thirteen tales from Urban Bohemian(Capitol Records, 2000), de un estilo menos sobrecargado y más power pop con el que cosecharon un gran éxito de crítica y público, en parte por la utilización de su conocido single “Bohemian like you” para un spot de Vodafone; y también con Welcome to the Monkey House(Capitol Records, 2003), con el que viraron nuevamente de estilo hacia un uso masivo de sintetizadores puramente ochenteros.

 Tras la publicación del doble álbum The Black Album / Come on feel the Dandy Warhols (Beat the World Records, 2004), compuesto básicamente de descartes y caras B y ya publicado con su sello propio, llegaría un importante punto de inflexión en la carrera de los de Portland con Odditorium or Warlords of Mars(Capitol Records, 2005); grabado en su propiorefugioestudiodegrabación (el Odditorium del título), este trabajo supuso un abandono de los sintetizadores y un retorno a la psicodelia del ...The Dandy Warhols Come Down, lo que provocó opiniones divididas, unas ventas más discretas de lo normal y una ruptura con su sello Capitol Records que se materializaría en 2007.

 Los años más oscuros de los Dandys se abrieron con el muy electrónico Earth to the Dandy Warhols(Beat the Earth Records, 2008), que a pesar de contar con importantes colaboraciones no cosechó las grandes cifras de antaño; y continuaron con The Dandy Warhols are Sound (Beat the World Records, 2009), que no era más que una remezcla alternativa del Welcome to the Monkey House, realizada por el productor Russell Elevado y descartada en su momento por Capitol.

 Actualmente se encuentran de gira de promoción de su octavo álbum de estudio, This Machine(Beat the World, 2012), un trabajo más sosegado y limpio que ha recibido sin embargo opiniones encontradas; mientras que PopMatters afirma que «eran más divertidos cuando bebían» y AV Club lo califica tajantemente como «mediocre», Pitchfork cuenta que Courtney «suena aburrido» pero que con este disco «acaba con las muecas y los malos juegos de palabras en los que había caído en los últimos discos», mientras que AllMusic asegura que es «un trabajo estimulante y libre de ironía» y que «realmente los Dandys están mejorando con la edad».

 En cualquier caso, Courtney se lo ha pasado bomba con la promoción de este trabajo, primero bromeando con su nombre (en su blog barajó los nombres de The pastor of Muppets o Shitty Shitty Band Band) y presentando en directo sus primeros temas (sobre todo “Seti vs. the Wow Signal”, “Rest your Head” y “Well they’re gone”, ésta última primer single que colgó en internet para su descarga gratuita).

 Respetados y queridos

 Ya hemos comentado que los Dandy Warhols es una banda muy respetada dentro del mundillo; y es que ciertamente han sabido moverse y relacionarse entre las bambalinas del negocio.

 Aparte de su ya conocido pelotazo “Bohemian like you” utilizado para un spot de Vodafone, han conseguido colarse en televisión en los opening de la serie VeronicaMarsy del reality australiano MyRestaurantRulescon “We used to be friends”, y reinterpretaron el tema del famoso programa Cazadores de Mitos. Por su parte, en cine se han colado en películas como la controvertida 9 Songs (en la que aparecen tocando en directo “You were the last high”) o la más sosita Goodluck, Chuck (con la canción del mismo nombre). Incluso algunos de sus temas han sido utilizados para videojuegos como Stubbs the Zombie o Dance Dance Revolution 4.

 Pero lejos de venderse por el vil metal, los Dandys han sido una banda muy presente en multitud de homenajes y actos, participando en tributos a bandas como The Cure, Love and Rockets o Michael Jackson (con una versión del “Blackbird” de los Beatles), y encabezando un proyecto benéfico junto con The Bravery, The Kooks y Dinosaur Jr, entre otros.

 Otros gestos que en su momento sorprendieron fueron la publicación de su alegato antidroga “Not if you were the last junkie on the Earth” perteneciente al Come Down (Courtney afirmó en varias entrevistas que «nadie debería ser adicto a nada excepto al sexo» y que le gustan «los placeres sensoriales como el vino o el chocolate»), o la defensa pública que hicieron de sus ancestrales archienemigos de The Brian Jonestown Massacre tras la emisión del multipremiado documental Dig!, que capturaba la supuesta mala relación entre Courtney y el líder de BJM Antón Newcombe (miembros de una y otra banda mostraron su disgusto por la imagen exagerada e irreal que se mostraba de Newcombe).

Todo esto les ha servido para grangearse multitud de importantes amistades; David Bowie ha contado con ellos para acompañarle en numerosas ocasiones, productores de la talla de Nick Rodhes (Duran Duran) y Russell Elevado han querido trabajar con ellos, y artistas Mark Campbell (Hearthbreakers), David J (Bauhaus) o Mark Knopfler han colaborado en muchas de sus canciones.

 En definitiva, The Dandy Warhols es una banda que merece un repaso en profundidad por las muchas joyas que atesora su discografía, aunque es cierto que muchos de sus incondicionales se han podido sentir mareados o defraudados por los múltiples cambios de rumbo en su trayectoria. En cualquier caso, es justo tomarse esto como fruto de la experimentación musical de su inquieto y prolífico líder.

 Páginaweb

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Grupo de la Semana: Vetusta Morla

 ¿Quién iba a decir que el nombre de una tortuga de una novela iba a ser tan conocido tantos años después? Es lo que tiene que una banda de éxito elija ese nombre como nombre artístico.

Aunque muchos conozcan a Vetusta Morla desde hace relativamente poco tiempo, es una banda con una larga trayectoria a sus espaldas. El grupo se originó en Tres Cantos, Madrid en el verano de 1998. Unos chicos del Instituto José Luis Sanpedro con unas inquietudes musicales similares deciden formar un grupo. La banda la forman originariamente Pucho (voz), David García (batería), Jorge González (percusión), Guillermo Galván (Guitarra) y Alejandro Notario (Bajo).A finales del 1998 se completa el sexteto con Juan Manuel Latorre como teclista y guitarra.

Dos años después de su formación, graban su primera maqueta 13 horas con Lucy. Con ese primer trabajo consiguen ganar el segundo premio del Concurso Musical de Hortaleza entre otros y eso les anima a grabar su siguiente demo. En 2001, graban su segundo trabajo bajo el mismo nombre de la banda. Esta demo no solo les brindó la oportunidad de llegar a la final de varios concursos sino que les permitió conocer a David Hyam con el comenzarían a hablar de su siguiente trabajo, La cuadratura del círculo.

Cuando finaliza la grabación, la banda sufre un pequeño cambio, Alejandro abandona el grupo y Álvaro B. Baglieto entra a formar parte de ésta. En 2004 actuaron en Los conciertos de Radio 3 de RTVE. En enero de 2005, publican Mira, un EP autoeditado de 7 temas. Durante todo este tiempo, Vetusta Morla no ha dejado de tocar por salas de toda España.

En 2008, por fin llega su primer disco, Un día en el mundo, un trabajo elogiado por crítica y público y que les sirvió para darse a conocer más ampliamente. Su trabajo fue recompensado con diversos premios entre ellos fueron premiados sus videoclips Un día en el mundo y Otro día en el mundo por su cretividad y se proclamaron los grandes vencedores de los Premios de la Música en 2009. Copenhague fue elegida por los oyentes de Radio 3 como una de las 3 mejores canciones del indie español de los últimos 30 años.

En enero de 2011, el grupo confirma a través de Twitter que están trabajando en un nuevo disco.. Mapas, que era un disco muy esperado por sus fans, vio la luz en 2011. Como se esperaba, también fue elogiado por la crítica. Fue galardonado como Mejor grupo del año y Mejor disco del año por la Rolling Stone.

Tres años después en 2014, publican La Deriva. Pero en estos años no pararon su actividad. Publicaron el concierto benéfico que ofrecieron a raíz del terremoto de Lorca con el conservatorio Narciso Yepes de esa localidad en 2013. Ese mismo año, publicaron la BSO de Los ríos de Alice.

A finales de 2013, nuevamente por las redes sociales anunciaron la grabación de su tercer álbum, La deriva. En febrero de 2014 lanzaron su primer single, Golpe Maestro que mostraba lo que iba a ser el nuevo trabajo. En marzo vio la luz el segundo single, La deriva. Finalmente el 8 de abril el nuevo disco salió al mercado.

Discografía

Mira (Lp 2005): entre sus siete canciones destaca Valiente que luego se convertiría en referente de la banda; Al respirar que es para mí una de las mejores canciones de Vetusta Morla que pone los vellos de punta a cualquiera y Año Nuevo una canción que no sabría explicar por que me gusta pero me gusta.

Un día en el Mundo (2008): es un disco muy completo donde cada tema refleja un estado de ánimo que no tiene nada que ver con la anterior. Es un trabajo muy cuidado con ritmos pegadizos, arreglos vocales impresionantes y unas letras que reflejan de una forma muy original los sentimientos más profundos. Entre sus canciones es difícil destacar las mejores pero por nombrar a algunas destacaré las siguientes: Autocrítica es de las canciones que más me gustan por sus cambios vocales y su letra que nos invita a mirarnos en el espejo, no criticar y a aceptar las críticas; Sálvese quien pueda es todo una declaración de intenciones. Su letra expresa claramente la esencia de Vetusta Morla y a quien no le guste lo que hay, ya sabe…; Copenhague es una canción más lenta pero es preciosa. Habla de las contradicciones de la vida y de los retos que tenemos que afrontar y Valiente uno de los himnos indies por excelencia. Cada vez que comienza a sonar la gente se vuelve loca.

Mapas (2011): con este trabajo consiguen consagrarse en lo más alto. No querría aventurarme a decir cual es mejor de los dos, por marcar alguna diferencia, yo diría que su segundo trabajo es más intimista. Entre sus temas yo destacaría Los días raros mi canción favorita del disco. Tiene frases muy curiosas como ¿quién iba a decir que sin carbón no hay reyes magos?; Mapas canción que da título al disco. Es una canción más cañera que la anterior y de cuya letra interpreto el siguiente mensaje: de los errores se aprende y nos es bueno arrepentirse de ellos; Maldita Dulzura es una canción desgarradora pero preciosa a su vez cuya letra en la voz de Pucho suena a la perfección y Baldosas Amarillas que habla un poco de los sueños “imposibles”.

La deriva (2014): con este trabajo Pucho y compañía han querido reflejar la época social de descontento que estamos viviendo. Para ello han plasmado estos sentimientos en varios temas como La deriva o Fiesta Mayor.Pero también han querido evocar ese sentimiento de lucha y de ganas de cambiar las cosas con letras como la de Golpe Maestro o Pirómanos. Tampocon faaltan temas lentos donde poder apreciar la voz de Pucho con esos falsetes imposibles como La mosca en tu pared.

Grupo de la Semana: The Killers

¿Quién no conoce a estos chicos americanos que han vendido más de 15 millones de discos en todo el mundo?¿Alguien puede asegurar que no ha escuchado nunca una canción de The Killers?

A esta banda no se les puede poner la “etiqueta” de grupo pop precisamente, forman parte del movimiento post punk revival y están claramente influenciados por la música de los años 80.

En 2001, Brandon Flowers fue abandonado por su primera banda, Blush Response debido a su negativa a mudarse con ellos a Los Ángeles. Fue entonces cuando conoció a David Keuning, tras responder a un anuncio del periódico. Durante el primer año por la banda pasaron varios baterias y bajos hasta que finalmente la formación se completó con Ronnie Vannucci Jr. en la batería y Mark Stoermer como bajista. El nombre «The Killers» es un homenaje a la banda ficticia que sale en el video musical de la canción de New Order, «Crystal».

En sus inicios, The Killers actuaban en pequeños clubes de Las Vegas. Posteriormente, comenzaron a enviar demos a los sellos discográficos de Estados Unidos. Todos los rechazaron, pero la banda llamó la atención de Alex Gilbert, un representante de la Warner Bros, pero finalmente la banda firmó  con el sello independiente Lizard King en julio de 2003.

Su primer disco Hot Fuss se publicó en 2004. Obtuvo un gran éxito en EEUU y Reino Unido. Hot Fuss fue certificado séxtuple disco de platino por BPI y triple disco de platino por RIAA. Este disco se caracteriza por su marcada influencia de grupos de los años 80 claramente reflejado en sus teclados y en el uso de la electrónica. Desde mi punto de vista destacan Somebody told me canción que fue elegida como primer single y que no podía haber sido mejor carta de presentación. Su fuerza va compaginada a la perfección con la voz canalla de Brandon , Mr Brightside que para mí es una de sus mejores canciones y nunca me cansaré de escuchar, de hecho lleva años siendo la melodía de mi móvil. Su ritmo invita a bailar y a saltar a cualquiera. Su letra es de temática muy recurrida, amor imposible, infidelidad…  Changed your mind muestra una faceta más íntima y en ella podemos apreciar la calidad vocal de su cantante y Smile like you mean it para mí es una canción preciosa que nos invita a mirar hacia atrás y hacer balance de nuestra vida.

El segundo álbum Sam’s Town, fue lanzado en octubre del 2006. El álbum vendió más de 706,000 copias en todo el mundo en su primera semana de lanzamiento. The Killers grabaron una sesión en vivo en Abey Road Studios para Live from Abbey Road el 29 de noviembre del 2006. Con este disco consiguen consolidarse por completo en el panorama musical internacionalmente. Destacan temas como When you were young, canción elegida como primer sencillo. Es uno de sus temas más cañeros y yo no sé vosotros, pero me encanta cantarla a voz en grito. Read my Mind es una curiosa declaración de amor al estilo The Killers y me encantan los falsetes de Brandon Flowers; Bones  es otro de sus temas “más saltables” y en los que te desgañitas intentando cantarlo; su videoclip es uno de los más chulos y fue dirigido por el gran Tim Burton y For reasons  unknown es una canción que habla de amor, del dolor cuando te falta esa persona. Para mí es sin duda el mejor disco de la banda.

En noviembre del 2007 la banda lanzó un álbum recopilatorio llamado Sawdust, que contenía caras B, rarezas y algún tema nuevo. El álbum también contiene las canciones «Ruby, Don’t Take Your Love to Town» (una versión del tema de The First Edition), «Romeo and Juliet» (versión del tema de DireStraits), y «Daddy’s Eyes», tema que fue cara B de «Bones».

En noviembre de 2008, The Killers lanzaron su tercer álbum, Day & Age. Este trabajo tiende más hacia el pop.El primer sencillo fue Human una canción que todos hemos escuchado y bailado hasta la saciedad. A mí particularmente me gustan más los Killers de los discos anteriores, el giro que dan en este último trabajo quizás les dio a conocer a un sector más pop, pero para mí perdieron un poco su esencia canalla. Destacan otros temas como Spaceman, A Dustland Fairytale o Losing touch.

 El 9 de noviembre del 2009, la banda puso a la venta el primer DVD en vivo de la banda, Live From The Royal Albert Hall que incluye un concierto en Londres. En enero de 2010, antes de finalizar la gira de Day & Age, la banda anunció que se tomaría un descanso indefinido después de casi seis años de grabaciones y giras.   Brandon Flowers anunció que echaba de menos a la banda en Diciembre de 2010 y en marzo de 2011, Ronnie Vannucci confirmaba a la BBC que la banda pensaba preparar su próximo álbum, pero que querían tomarse su tiempo para ello. Estamos deseando que publiquen su nuevo trabajo.

El grupo de la semana: We Are Standard

Comienza la andadura de este grupo en Gexto, en el año 2002, bajo el nombre de Standard. Fueron grabando maquetas y ganando distintos concursos, como el proyecto Demo del FIB, hasta que por fin, en 2006, graban su primer álbum de estudio, 3.000 V 40.000 W (Mushroom Pillow).

Con este disco giraron por toda España, la gente se rendía a sus pies con un directo potente y descarado, de esos que te hacen bailar y saltar hasta que dejas de sentir las piernas.  Quedó patente la calidad del grupo y su fuerza sobre el escenario dentro y fuera de España, llegando a editarse el disco también en Francia y EE.UU.

En este 3.000 V- 40.000 W hay temas archiconocidos como “On The Floor”.

Durante 2007, mientras seguían con la gira, se publica The Mpossible Mixes, con una versión de Waiting for the Man de The Velvet Underground y remezclas de 4 canciones del anterior disco, On the floor,  Pressure, Txusma remix y The pill song.

En 2008 aparece en el mercado el segundo trabajo grabado en Londres y titulado We are standard (Mushroom Pillow), presentándose ellos mismos además con este nuevo nombre para la banda, ya que se vieron obligados a cambiarlo por coincidir con el nombre de un grupo de EE.UU.

We are standard alcanzan gran éxito con este nuevo disco, que les lleva una vez más no solo por España, también por Norteamérica, tocando en prestigiosos festivales. Además consiguen algo que raramente se consigue en el mundillo de la música “independiente”, ganar el premio al Mejor Grupo Español dentro de los MTV Awards (me pregunto qué pensaran los más indie-radicales de esto) y fueron nominados a los Premios de la Música. Se pasaron un par de años por los escenarios, volviendo a la gente loca, haciéndoles bailar, saltar y engancharse irremediablemente a su música.


En 2009 tuve la oportunidad de verlos en directo tres veces, en Contempopránea, Sonorama y Ecopop, pude corroborar que su directo es de los mejores que hay y que en 40 minutos te pueden hacen perder el sentido y algunos kilos.

Continúan con la gira a lo largo de 2010, pero también aparece un nuevo disco de remezclas, The Golden League, con el que vuelven a estar en boca de medios especializados no solo europeos, si no también británicos y ¡japoneses!, una locura vamos.

El año pasado publicaron Great State, también con Mushroom Pillow que consta tan solo de 5 temas. Ya solo con el primer single 07:45 (bring me back home), te das cuenta de que algo ha cambiado, parece todo más luminoso, menos cañero (seguro que en directo seguirán haciéndonos bailar desenfrenadamente) y con melodías y ritmos más pop, la voz es más suave y limpia, tiene mayor protagonismo. Ellos mismos lo han dicho, que este mini- álbum supone el principio de un cambio que querían dar.

Aunque personalmente he disfrutado de cada una de las canciones de los discos anteriores, este me ha gustado mucho por ese cambio, seguramente ya habrá detractores totales, y me parece que puede llegar a más público por eso mismo, porque es menos duro.

Actualmente, el grupo está integrado por: Deu Txakartegi, Jon Aguirrezabalaga, Javi Leta, D.W. Farringdon y Juan Escribano y los veremos, seguro, el sábado de Contempopránea. Ese día no me busquéis, estaré flotando, como poseída, por el universo WAS.

El grupo de la semana: Amaral

He tenido muchas dudas a la hora de afrontar un artículo sobre un grupo multiplatino en un blog como este. Al final he optado por despojarme de prejuicios y etiquetas y pensar sólo en bandas que hacen música, buena música. Bandas con trayectoria.

Según cuentan ellos mismos, antes de formar Amaral Eva estudió cinco años en la Escuela de Artes y Oficios de Zaragoza. Además, servía copas en el Azul Rock Café. Estudió canto lírico, primero en un centro cívico y  luego, su profesora, fascinada, la remitió a su maestra. “Cobraba un pastón por horas y yo no tenía parné…“. Le hizo una prueba y la admitió con descuento. Juan Aguirre estudiaba filosofía y grabó un álbum con su banda anterior, Días de Vino y Rosas, en 1990. Tuvieron un tema famoso, “Biarritz“, que posteriormente el dúo versionaría en “Gato Negro. Dragón Rojo”. Así,    Eva y Juan se conocen en el 92 en la parte de atrás de un bar en Zaragoza. Ella tocaba la batería en un grupo de punk-rock local llamado Bandera Blanca. También era la voz solista de otra banda llamada Lluvia Ácida. Simón, el guitarrista de Lluvia Ácida, tenía un estudio casero de música para grabar maquetas, en el almacén. Simón llamó a Juan, para unos arreglos. Hubo amor, amistad y música desde el primer encuentro. Se recorrieron todos los bares tocando. Estuvieron juntos cinco años antes de ser nada. Después empezaron a viajar a Madrid, luego pasaron temporadas más largas, durmiendo de prestado en casas de amigos; trabajaron en la hostelería,  mientras actuaban en salas conocidas por todos como La Boca del Lobo.  Y llegó el día en que Jesús Ordovás los pinchó por primera vez en Radio 3. Y llegó el día  en que un tipo se acercó después de un concierto y dijo: “Hola, soy de la compañía Virgin, me gustaría hablar con vosotros…“. Entonces, en algún momento hace 10 años, decidieron quedarse en Madrid para hacer música.

“AMARAL” (EMI, 1998)
Su primer disco comprende una colección de canciones lo suficientemente buenas para saber a las claras que el grupo no iba a ser flor de un día, pero sin ese hilo conductor que ha caracterizado los mejores discos de la banda. La producción corre a cargo de dos pesos pesados como Pancho Varona y Paco Bastante que consiguen un sonido de pop maquetero dulzón  que no hace justicia a unas letras que merece la pena rescatar del 98. En “1997colabora Fernando Alfaro y Álvaro Urquijo (Los Secretos) aporta su buen hacer como guitarrista en casi todas las canciones del disco. Lo mejor:No sé que hacer con mi vidayVoy a acabar contigo”.

“UNA PEQUEÑA PARTE DEL MUNDO” (EMI, 2000)
El segundo disco de Amaral, visto en perspectiva y por lo que supuso en su momento para el tedioso panorama musical de España, debe considerarse posiblemente como el mejor de su carrera. La uniformidad de la cual adolecía su debut aparece en “Una pequeña parte del mundo”  de la mano del productor Cameron Jenkins (quien grabará a partir de entonces todos los discos de Amaral).  Y así todas las canciones, aunque se basan en ritmos muy diferentes (desde la canción española más popular –“Queda el silencio”- hasta el folk rock americano de –“Una pequeña parte del mundo”-) acaban sonando con una coherencia de la que no han vuelto a hacer gala hasta la fecha. Aparecen como nunca hasta entonces las cuerdas de Juan Aguirre, adornando cada canción con arreglos de altísimo nivel, siendo el complemento perfecto para la voz de Eva, una voz potente pero con la virtud de ser modulable al alma de cada tema. Las letras vuelven a ser lo mejor del disco, maduras pero en el punto justo de una adolescencia recién vivida. Lo mejor:Cabecita locayCómo hablar”, canción que posteriormente se regrabaría con la colaboración de Antonio Vega.

“ESTRELLA DE MAR” (EMI, 2002)
El bombazo de “Sin ti no soy nada” anuncia que Amaral hacen cumbre en la cima del éxito, lugar desde donde hasta el día de hoy siguen disfrutando de unas vistas privilegiadas. Su inusual propuesta, capaz de sonar garajera y comercial a la vez (hazlo tú) les hace convertirse en ídolos de masas a la par que mantienen la simpatía de las minorías más exigentes. Con “Estrella de mar” el sonido de Amaral toma un nuevo camino lleno de una variedad de estilos que a veces resulta excesiva pero gracias a la cual el grupo ha elaborado algunas de las mejores canciones de pop en castellano de la última década. Después  “Moriría por vos” y “Te necesito” acabarían por lanzar al álbum en las lista de ventas, convirtiéndose a la postre en el disco nacional más vendido en España en 2002. Lo mejor: “El centro de mis ojos

“PÁJAROS EN LA CABEZA” (EMI, 2005)
La consagración y continuación de “Estrella de mar” con todo lo bueno y lo malo que esto conlleva. El grupo no quería alejarse de la masa de fans adolescentes y las letras de “Pájaros en la cabeza” quizás incidan demasiado en una ingenuidad de la que el grupo no había sido abanderado hasta entonces. A pesar de las buenas críticas del disco y de que las ventas no fueron mal la temática de las canciones y la elección de los singles  hizo que esas minorías a las que nos referíamos antes se alejaran de la banda. La gira permitió la grabación de “El comienzo del big bang”, primer DVD en directo de Amaral que recogía una multitudinaria actuación en el Palau Sant Jordi de Barcelona.  Lo mejor: “Big bang” y “No soy como tú” con Enrique Morente.

“GATO NEGRO. DRAGÓN ROJO” (EMI, 2008)
Y ante la gran capacidad compositiva un disco doble con el que Amaral vuelven a reconciliarse con el público más exigente. Turbulencias y madurez son las señas de identidad de “Gato Negro. Dragón Rojo” con diecinueve canciones donde hay de todo, pero todo con calidad. Dejan atrás las letras de corte adolescente  y recuperan e incluso amplifican ese universo en el que cada canción funciona por sí misma aunque es en el conjunto del álbum donde se aprecian mejor los matices de cada tema. De la psicodelia al pop más variopinto pasando hasta por una suerte de reage (“Alerta”). Eva sigue demostrando que es de lejos la mejor vocalista de España y Juan nos sorprende cantando “Es sólo una canción”. Han encontrado el sonido Amaral, un sonido bien reconocible que les permite abordar multitud de géneros y seguir sonando genuinos, y muy pocos grupos pueden hacer eso.  Lo mejor: “Rock & Roll” y “Tarde de domingo rara”.

“HACIA LO SALVAJE” (ANTÁRTIDA 2011)
Salen de EMI y se deciden a hacer el disco que realmente siempre han querido hacer, si no es eso lo que realmente han estado haciendo durante toda su carrera. Dejando de lado su trayectoria Eva y Juan se han centrado en un álbum menos previsible aunque a estas alturas todos sabemos que no pueden escapar a los grandes estribillos y a esas guitarras tan reconocibles. Aún así, el disco indie de Amaral (si se me permite la broma) contiene más baladas que sus anteriores trabajos por lo que el ritmo a veces se hace demasiado pausado.  Además esto se acentúa con la forma de tocar de Juan, con menos artificios y la manera de cantar de una Eva más contenida que de costumbre. Eso sí, Amaral sigue contando historias de vecinos, de amores perros, de amores que gracias a Dios no tienen que acabar siempre bien. El disco se presenta en tres formatos diferentes: El disco completo que tiene acceso a la descarga digital de todos los temas en acústico. Una edición digibook, que contiene “Hacia lo salvaje” y todos los temas acústicos en un segundo cd. También incluye todas las ilustraciones del disco, realizadas por Borja Bonafuente Gonzalo y fotografías del grupo realizadas por Juan Pérez Fajardo. O una edición en vinilo, que incluye el disco en un vinilo de 180 gramos, el cd del disco y el acceso a la descarga digital de los temas en acústico. Lo mejor: “Riazor

Y entre todos los discos multitud de eps, el citado Dvd de “El comienzo del big bang”, un doble cd y doble dvd/Blu-Ray en vivo de Amaral, “La barrera del sonido”, que conmemora toda su carrera y que fue grabado por Canal + en el Palacio de los Deportes de Madrid el día 30 de octubre de 2008. Y claro, “Granada”, un ep que el grupo grabó con motivo del décimo aniversario de la revista digital Efe Eme. Se pudo descargar gratuitamente a partir de febrero de 2009. El EP constaba de cuatro canciones que eran versiones de grupos granadinos de la talla de 091, Lagartija Nick, Lori Meyers y Los Planetas. Además muchas participaciones en tributos, homenajes…

Este año hace 20 que se conocieron y 14 desde su primer disco, una larga carrera con muchas más luces que sombras, con algunas críticas y mil alabanzas. Amaral, siempre con un discurso lleno de coherencia, han decidido dar un paso hacia un público más proclive a comprar discos y mucho más acostumbrado a ir a conciertos y festivales. Este verano acudirán por primera vez, y con especial ilusión, al escenario de la ladera de Alburquerque para desplegar toda su fuerza en Contempopránea 2012. Esperemos que este público al que tanto respetan sea igual de coherentes que ellos. Nosotros estaremos allí, en primera fila.